Борис Кустодиев «Христосование» , 1916 год

размещено в: История одной картины | 0
Борис Кустодиев «Христосование» , 1916 год

Борис Кустодиев «Христосование» , 1916 год

На этой картине мы видим накрытый к Пасхе стол. Здесь и куличи, и крашеные яйца, и творожные пасхи, и икра, и жареное мясо. Главные герои здесь — купеческая семейная пара, которая поздравляет друг друга со светлым пасхальным днём.

Кустодиев изобразил на картине старинный пасхальный обряд — христосование. Он имеет древнюю историю, ещё со времён апостолов. Суть традиции заключается в приветствии в знак воскресения Иисуса словами «Христос Воскрес!», а в ответ надо говорить: «Во истину воскрес!» Затем трижды целуются в щёку.

Именно эту сцену и видим на полотне Кустодиева, который изобразил Пасху во всей красе. Заметим, что работа создана в 1916 году, когда в стране уже была смута, а революция стучалась во все двери. Однако художник решил показать этот праздник светлым, ярким и насыщенным. Даже шаль на купчихе по-весеннему красочная и нарядная.

В те годы люди очень ценили пасхальные традиции. Историк Л.Н. Блинова так описывала празднование Пасхи в дореволюционной России:

«С утра все шли на службу, после чего весь народ выходил на улицу христосоваться – и цари, и городовые, и служащие, и простой люд. Для христосования заранее готовили яйца. Например, во времена правления царя Алексея Михайловича для раздачи народу на Пасху было приготовлено до 37 тысяч яиц.

Яйца были как натуральные – куриные, лебединые, гусиные, голубиные, утиные, так и искусственные – из дерева, кости, чугуна, бисера, стекла, камня, в том числе из драгоценных и полудрагоценных камней, а также драгоценных металлов, в зависимости от статуса того, кому яйцо предназначалось. Их украшала резьба или роспись на евангельские темы, изображения храмов и монастырей».

Картины Кустодиева словно погружают нас в сказку, позволяя хоть немного коснуться обычаев и традиций того времени. Они вселяют оптимизм и дают современным вечно занятым людям остановиться и подумать о смысле своей жизни.

Борис Кустодиев «Христосование» , 1916 год
Бори́с Миха́йлович Кусто́диев — русский и советский художник. Академик живописи ИАХ. Член Ассоциации художников революционной России. Портретист, театральный художник, декоратор. Википедия
Родился: 7 марта 1878 г., Астрахань, Российская империя
Умер: 28 мая 1927 г. (49 лет), Санкт-Петербург, СССР

0
Поделиться с друзьями:

Илья Ефимович Репин. Портрет Владимира Михайловича Бехтерева

размещено в: История одной картины | 0
Илья Ефимович Репин. Портрет Владимира Михайловича Бехтерева

Как разбудить Бехтерева?

Илья Репин очень любил ученых. «На меня лично в глуши, где нет образованных людей, нападает безнадёжная тоска… Тоска по умным, по ученым лицам» — писал Илья Ефимович Репин.
Одним из приятелей художника был психиатр и невролог Владимир Бехтерев. Его мы и видим на этом портрете.
На сеансы к Репину он нередко приезжал смертельно усталым. Бехтерев так много и напряжённо работал, что под конец дня часто становился рассеянным и сонным.

Зять Бехтерева рассказывал:
«Бехтерев принимал больных до 2-х часов ночи (к нему как к знаменитости съезжались больные со всех краев России) и так обалдевал после полуночи, что, приложив трубку к сердцу больного, не раз говорил, как спросонья:
– У телефона академик Бехтерев, кто говорит?»

В 1913-му году, когда писался этот портрет, Бехтерев, как и Репин, жил на берегу Финского залива, в районе нынешнего посёлка Смолячково. Его дача «Тихий берег» располагалась верстах в тридцати от репинских «Пенатов». Младшая дочь Бехтерева Мария вспоминала, как они ездили в Репину по нескольку раз за лето, на лошадях, по сыпучим пескам вдоль берега залива, и непременно посещали Илью Ефимовича 2 августа — на Ильин день, его именины.

Приехав к Репину и удобно расположившись для позирования, известный психиатр очень скоро начинал дремать. Жена Репина Наталья Борисовна смеялась. «Прикрылся бровями и спит!» – говорила она.

Репин не хотел беспокоить Бехтерева и на цыпочках выходил из мастерской. Однако когда ученый просыпался, уже начинало темнеть, а работать дальше без дневного освещения было невозможно.

И тогда Репин придумал выход — позвать своего молодого друга Корнея Чуковского (он жил в Куоккале по соседству), которому уже не раз приходилось «ассистировать» художнику, развлекая его моделей разговорами, а иногда, по согласованию с Репиным, специально втягивая в нешуточные споры, чтобы человек раскрылся и проявил эмоции, начал горячиться, а Репин мог ухватить наиболее характерную мимику.

Как вам такая история создания картины?

P.S. Портрет находится в Русском музее.

Илья Ефимович Репин. Портрет Владимира Михайловича Бехтерева
Илья́ Ефи́мович Ре́пин — русский живописец, педагог, профессор, действительный член Императорской Академии художеств. Википедия
Родился: 5 августа 1844 г., Чугуев, Российская империя
Умер: 29 сентября 1930 г. (86 лет), Репино, СССР
0
Поделиться с друзьями:

«Аленушка», Виктор Васнецов, 1881 год

размещено в: История одной картины | 0
«Аленушка»,  Виктор Васнецов, 1881 год

«Аленушка»
Виктор Васнецов
1881 год
Это произведение знакомо нам с детства. Оно является одним из самых популярных и самых любимых полотен Васнецова. Мастер не раз отмечал, что из всех его картин ему самому «Аленушка» милее прочих.

Васнецов долго находился в поисках натурщицы для картины. В то время он жил в подмосковном Абрамцеве, где отдыхал летом с семьёй и рисовал пейзажные этюды на берегу реки Вори. Из Абрамцева он частенько прогуливался пешком до соседней деревни Ахтырка, где и увидел простую деревенскую девушку — свою будущую Алёнку.

«Алёнушка как-будто давно жила в моей голове, но реально я увидел её в Ахтырке, когда встретил одну простоволосую девушку, поразившую моё воображение. Столько тоски, одиночества и чисто русской печали было в её глазах… Каким-то особым русским духом веяло от неё», — писал в своих воспоминаниях Васнецов.

Перед написанием самой картины художник сделал несколько предварительных эскизов сидящей на камне девушки. Он признавался, что при написании Алёнушки вглядывался в черты лица Веры Мамонтовой, которую многие помнят по картине Серова «Девочка с персиками». Однако сам образ списан именно с крестьянки. Может быть поэтому, глядя на картину, мы понимаем, что перед нами не сказочный персонаж, а реальная девушка.

Алёнушка притягивает зрителя своей настоящей естественной красотой. В её глазах читается грусть и глубокие переживания, которые таит её сердце, несмотря на юный возраст. Старенький сарафан с поблекшими цветами, растрепанные волосы и загрубевшие босые ноги позволяют увидеть абсолютно реальный образ девушки.

Сюжет усиливается неподвижными деревьями, застывшей водной гладью и медленно парящими над головой облаками. Окружающий героиню лес кажется гиблым местом, в котором очень просто затеряться или сгинуть. Критики отмечают, что пейзаж получился настолько хорошо, что картину легко представить и без Алёнушки.

Изначально картина называлась «Дурочка Алёнушка», но это не значит, что художник считал девушку глупой. В то время значение слова «дурочка» отличалось от современного. Раньше так называли юродивых, обездоленных или сирот. А, согласно сказке, Алёнушка с братцем Иванушкой остались без родителей.

Впрочем, первое слово в названии шедевра быстро исчезло, а осталось лишь одно — «Аленушка». Но смысл картины о этого не пострадал — девушка выглядит очень грустной и обездоленной.

Поскольку, Васнецов часто писал сюжеты сказок, современные зрители воспринимали и Алёнушку сказочным героем. Однако есть версия, что художник вовсе не создавал сказочный образ.

Скорее всего, он просто хотел передать в лице одной девушки трагизм всего русского народа. Картина оказалась связана со сказкой только в результате восприятия зрителей.

Картину Васнецов дописал зимой 1881 года, уже в Москве. После этого полотно было оправлено на выставку передвижников. Примечательно, что Павел Третьяков, активно скупавший картины с этой выставки, особого интереса к «Аленушке» не проявлял. Художник даже начал беспокоиться и сам написал Третьякову:

«Уважаемый Павел Михайлович, моя «Аленушка» до сих пор не продана, что сильно влияет на мои денежные дела. Мне очень бы хотелось знать: как она Вам кажется в теперешнем ее виде на выставке. До сих пор я, конечно, не имею повода думать, чтобы она Вам нравилась настолько, чтобы Вы решились приобрести ее для галереи; но знать Ваше мнение на этот счет для меня желательно очень».

Васнецов даже готов был снизить цену, но купец, так и не приобрёл эту картину для своей галереи. Купить «Аленушку» решил Анатолий Мамонтов, брат известного мецената Саввы Мамонтова. Затем полотно несколько раз меняло хозяев, пока, наконец, не было выкуплено для Государственной Третьяковской галереи.

Критик И. Э. Грабарь назвал картину «Аленушку» одной из лучших картин русской школы.

Инет

«Аленушка»,  Виктор Васнецов, 1881 год
Ви́ктор Миха́йлович Васнецо́в — русский художник-живописец и архитектор, мастер исторической и фольклорной живописи. Васнецов является основоположником «неорусского стиля», преобразованного из исторического жанра и романтических тенденций, связанных с фольклором и символизмом. Творчество художника сыграло важную роль в развитии российского изобразительного искусства от эпохи передвижничества к стилю модерн. Действительный статский советник. Младший брат — художник Аполлинарий Васнецов. Википедия
Родился: 15 мая 1848 г., Лопьял, Россия
Умер: 23 июля 1926 г. (78 лет), Москва, СССР
0
Поделиться с друзьями:

Ян Вермеер «Девушка с жемчужной серёжкой»

размещено в: История одной картины | 0
Ян Вермеер «Девушка с жемчужной серёжкой»

Ян Вермеер «Девушка с жемчужной серёжкой», ок. 1665 год

Эта картина является одной из самых известных и одной из самых таинственных работ Яна Вермеера. Её называют голландской Моной Лизой. Полотно не было датировано автором, но искусствоведы считают, что оно создано около 1665 года.

Доподлинно неизвестно, кого именно изобразил на этой картине художник. По одной из версий, это портрет дочери Вермеера Марии. Возможно также, что на полотне изображена дочь мецената и покровителя Вермеера — Рюйвена, в собственности которой картина оказалась годы спустя.

Особое внимание художник решил заострить не сколько на самой девушке, сколько на её круглой перламутровой серёжке из крупного жемчуга. Размер серёжки довольно велик, поэтому исследователи полагают, что она сделана не из натурального жемчуга, а из венецианского стекла.

В 1937 году объявилась очень похожая картина, которую изначально тоже приписывали Вермееру. Её передал в Национальную галерею искусств в Вашингтоне коллекционер Эндрю У. Меллон. Сейчас она считается подделкой под Вермеера, которую в начале XX века написал копиист Тео ван Вейнгарден, друг Хана ван Мегерена.

Картина «Девушка с жемчужной серёжкой» приобрела наибольшую популярность благодаря роману американской писательницы Трейси Шевалье, который был издан в 1999 году. В 2003 году по мотивам этого романа был снят художественный фильм. При этом создатели и романа, и фильма предупреждают, что совпадения с реальными лицами и событиями случайны.

Ян Вермеер «Девушка с жемчужной серёжкой»
Предположительно, что это автопортрет художника. Ян Верме́ер — нидерландский художник-живописец, мастер бытовой живописи и жанрового портрета. Один из самых талантливых последователей Терборха. Творчество Рембрандта, Хальса и Вермеера принято считать вершиной голландского искусства золотого века. Википедия
Родился: 31 октября 1632 г., Делфт, Республика Соединённых провинций
Умер: 15 декабря 1675 г. (43 года), Делфт, Республика Соединённых провинций
0
Поделиться с друзьями:

Петров-Водкин Кузьма Сергеевич. Портрет Анны Ахматовой

размещено в: История одной картины | 0
Петров-Водкин Кузьма Сергеевич. Портрет Анны Ахматовой

ИСТОРИЯ ОДНОГО ПОРТРЕТА

К. ПЕТРОВ-ВОДКИН. ПОРТРЕТ АННЫ АХМАТОВОЙ. 1922.

Русский музей

Простота и благородство портрета Анны Андреевны Ахматовой сродни ее лучшим стихам. Строгий лаконичный силуэт оплечной фигуры. Матово бледное, словно источающее свет, лицо-лик, безнадежно отрешенный взгляд холодно серых глаз, горькая улыбка, чуть коснувшаяся плотно сомкнутых губ. Внешний аскетизм и предельная внутренняя собранность. За спиной поэтессы склонила в печали главу строгая дева – муза, чьему шепоту внемлют только одаренные сверхчутким слухом. Ее силуэт выступает из космической синевы фона, словно источающего свет – свет «ахматовского» серебряного месяца, ярко стывшего над Серебряным веком и теперь становящегося все холоднее и бесприютней.

В 1922 году, когда создавался портрет, имя Ахматовой уже было прославлено в поэтическом мире. И вместе с тем она прошла через испытания, устоять перед которыми мог только человек исключительной силы духа. Многие покидали Россию, многие готовились ее покинуть. Годом ранее по обвинению в заговоре против советской власти был расстрелян ее бывший муж, отец ее единственного сына, знаменитый поэт Николай Гумилев.

А здесь, в глухом чаду пожара

Остаток юности губя,

Мы ни единого удара

Не отклонили от себя.

Эти строки Ахматовой из стихотворения 1922 года «Не с теми я, кто бросил землю…» созвучны ясной выразительности портрета кисти Петрова-Водкина.

Петров-Водкин Кузьма Сергеевич (1878, Хвалынск Саратовской губ. – 1939, Ленинград)
Живописец, график, теоретик искусства, писатель.
Учился в иконописной мастерской, позже – в классах живописи и рисования Ф. Е. Бурова в Самаре (1893–1895), в Центральном училище технического рисования барона А. Л. Штиглица в Петербурге (1895–1897), в Московском училище живописи, ваяния и зодчества у А. Е. Архипова, Н. А. Касаткина и В. А. Серова (1897–1904), в студии А. Ашбе (1901) в Мюнхене, в частных академиях Парижа (1905–1908), в том числе в студии Ф. Коларосси. В эти же годы посетил Италию, Грецию, Францию, Северную Африку. Испытал разнообразные воздействия как современных (французский символизм), так и старых традиций (живопись Древней Руси и итальянского Раннего Возрождения).
С 1908 участник выставок «Золотого руна». Член обществ «Мир искусства» (1910–1922), «Четыре искусства» (1925–1928) и других. Преподавал в школе Е. Н. Званцевой (1910–1915) в Петербурге, в Свободных художественных мастерских (1918–1921), Всероссийской Академии художеств (1918–1933). Профессор. Первый председатель Ленинградского отделения Союза советских художников.
Уже в ранний период творчество отмечено символистской ориентацией. В этот же период сформулировал принцип трехцветия, в котором принимал за основные цвета только синий, желтый и красный, считая остальные производными от их смешения друг с другом. Активно использовал этот принцип в картинах, посвященных материнству.
В 1910-х складывается особая художественно-теоретическая система Петрова-Водкина, где главную роль играет принцип «сферической перспективы», который позволяет, изображая натуру одновременно сверху и сбоку, передавать ощущение «земли как планеты».

Анна Андреевна Ахматова (в девичестве Горенко, 1889–1966) – русская поэтесса, переводчица и литературовед, одна из наиболее значимых фигур русской литературы XX века. Своим предком по материнской линии считала ордынского хана Ахмата, от имени которого впоследствии и образовала свой псевдоним.
Кажется, что эти строки Осипа Мандельштама как нельзя лучше подходят к портрету Ахматовой.

Как черный ангел на снегу,
Ты показалась мне сегодня,
И утаить я не могу, —
Есть на тебе печать Господня.
Такая странная печать —
Как бы дарованная свыше, —
Что, кажется, в церковной нише
Тебе назначено стоять.
Пускай нездешняя любовь
С любовью здешней будут слиты,
Пускай бушующая кровь
Не перейдет в твои ланиты,
И пышный мрамор оттенит
Всю призрачность твоих лохмотий,
Всю наготу нежнейшей плоти,
Но не краснеющих ланит.

Осип Мандельштам

Петров-Водкин Кузьма Сергеевич. Портрет Анны Ахматовой
Кузьма́ Серге́евич Петро́в-Во́дкин — российский и советский живописец, график, теоретик искусства, драматург, писатель и педагог, заслуженный деятель искусств РСФСР. Википедия
Умер: 15 февраля 1939 г., Санкт-Петербург, СССР
0
Поделиться с друзьями:

Василий Тропинин «Кружевница», 1823 год

размещено в: История одной картины | 0
Василий Тропинин «Кружевница», 1823 год

Василий Тропинин «Кружевница», 1823 год

На этой картине мы видим совсем юную девушку, которая занята очень кропотливым делом — она плетёт кружево. На первый взгляд может показаться, что работа идёт легко и непринуждённо, но на самом деле труд кружевниц был тяжёлым и ответственным и даже приводил к сильному ухудшению зрения.

Сам Василий Тропинин был крепостным и написал эту картину вскоре после получения вольной в 47 лет. Поэтому не исключено, что на картине он изобразил именно крепостную кружевницу. Труд таких мастериц был отнюдь не лёгким. Девочек начинали обучать ремеслу с 5–6 лет, а в 11 лет они уже плели взрослые заказы. Рабочий день у них длился по 10–12 часов.

Кружевницами были и вольные женщины, но они получали за такую тяжёлую работу очень мало. В конце XIX века за плетение дешёвых кружев можно было получить шесть копеек в день. За плетение более качественных кружев можно было заработать 12 копеек. Мастерицы работали до 16 часов в день, чтобы свести концы с концами, но даже лучшие из них зарабатывали не более 10 рублей в месяц. Оплата квартиры в месяц составляла три рубля, на чай и сахар тратили 1,5 рубля, 6,5 рублей оставалось на пищу и одежду. Большая часть дохода доставалась перекупщикам.

«Кружевница» Тропинина была восторженно принята критиками. Писатель и журналист Павел Свиньин отмечал: «…и знатоки, и незнатоки приходят в восхищение при взгляде на сию картину, соединяющую поистине все красоты живописного искусства: приятность кисти, правильное, счастливое освещение, колорит ясный, естественный.

Сверх того в самом портрете обнаруживается душа красавицы и тот лукавый взгляд любопытства, который брошен ею на кого-то вошедшего в ту минуту. Обнаженные за локоть руки её остановились вместе со взором, работа прекратилась, вырвался вздох из девственной груди, прикрытой кисейным платком, — и все это изображено с такой правдой и простотой».

В настоящее время «Кружевница» является частью коллекции Государственной Третьяковской галереи.

Василий Тропинин «Кружевница», 1823 год
Васи́лий Андре́евич Тропи́нин — русский живописец, мастер романтического и реалистического портретов. Википедия
0
Поделиться с друзьями:

Томас Гейнсборо. "Дама в голубом"

размещено в: История одной картины | 0
Томас Гейнсборо. "Дама в голубом"

ПРЕКРАСНАЯ «ДАМА В ГОЛУБОМ»

Дама в голубом» (1770-1780) – единственное полотно Томаса Гейнсборо в художественных музеях России. Вопрос о прототипе является дискуссионным.

Согласно наиболее распространённой версии, на портрете изображена дочь английского адмирала Боскауэна Элизабет, в замужестве – герцогиня де Бофор.
Элизабет появилась на свет в 1747 году в аристократической семье. Ее отец честно служил Отечеству, а мать, широко известная в литературном Лондоне, была одной из основательниц интеллектуального кружка, подучившего название «Общество синих чулок». Тяга жены к умственным занятиям адмирала не радовала, что приводило к частым ссорам. Что, впрочем, не помешало супругам обзавестись пятью детьми.

Семнадцати лет Элизабет выдали замуж. Ее избранником стал молодой Генри Сомерсет, герцог Бофор. Супруг «дамы в голубой» строил успешную карьеру при дворе, а вот сама она вошла в историю благодаря своему героическому материнству. За время брака она подарила мужу 13 детей. Причём все 4 дочери и 8 из 9 сыновей преодолели младенческий возраст, что было редкостью в те годы. Элизабет прожила долгую жизнь, ее не стало в 81 год.

Хранящаяся в Эрмитаже «Дама в голубом» – пленительный женский портрет, отражающий, в числе прочего, многие представления о моде и красоте, характерные для XVIII века. Узкие покатые плечи, стройная шея с грациозным изгибом, напоминающая цветочный стебель, сложная конструкция высокой прически, венчаемой шляпкой с перьями, довольно интенсивный искусственный румянец, использование пудры не только для лица, груди и шеи, но и для тонирования парика – всё это типично не только для Англии Гейнсборо, но и для России второй половины XVIII столетия.

Инет

Томас Гейнсборо. "Дама в голубом"
То́мас Ге́йнсборо — английский живописец и гравёр. Наряду Джошуа Рейнольдсом, считается одним из самых значительных британских художников второй половины XVIII века, для полотен которого характерна легкая палитра. Гейнсборо был выдающимся портретистом, но также прославился и как превосходный мастер пейзажа. Вместе с Ричардом Уилсоном является основателем британской пейзажной школы XVIII века. С его именем связано появление в истории английского искусства термина «пикчуреск». Гейнсборо стал одним из основателей Королевской академии искусств в Лондоне. Википедия
Родился: 14 мая 1727 г., Садбери, Англия
Умер: 2 августа 1788 г. (61 год), Лондон, Англия
0
Поделиться с друзьями:

Василий Перов. «Тройка». 1866 год

размещено в: История одной картины | 0
Василий Перов. «Тройка». 1866 год

Василий Перов. «Тройка».
1866 г.

Он уже начал работать над картиной, но все никак не мог найти мальчика – центрального в тройке.Такого, который сразу бы привлек внимание. Как-то, гуляя по Москве, Перов увидел бедно одетую женщину с ребенком, именно таким, которого хотел изобразить.
Он подошел, познакомился, и женщина (Марья) рассказала, что она и ее сын Васенька пришли пешком из Рязанской области паломниками в монастырь и им негде остановится в Москве. Перов пригласил их к себе и попросил разрешения написать Васеньку.
Так этот мальчик и появился на картине. Характерной особенностью его были – отколотые передние зубы. В контексте картины этот штрих говорил о жестоком обращении с детьми-мастеровыми.

«… Прошло около четырех лет. Я забыл и старушку и мальчика. Картина давно была продана и висела на стене Третьяковской галереи… Однажды кто-то постучал ко мне. Я вышел и увидел перед собою маленькую, сгорбленную старушку… тонкие губы ее были сухи, маленькие глазки глядели грустно.

Она беззвучно шевелила губами, бесцельно суетилась и, наконец, вытащив из кузова яйца, завязанные в платок, подала их мне и сказала, что знает меня давно, что я списывал ее сына.

«Батюшка, сынок-то мой», — начала она, а слезы текли обильно и не давали ей говорить… Наконец, наплакавшись и немного успокоившись, она объяснила мне, что сынок ее, Васенька, заболел и умер».

Старушка сказала художнику, что хочет купить картину, где нарисован ее сын. Художник ответил, что картина продана и висит в Третьяковской галерее, но что ее можно посмотреть.

«Приблизившись к картине, она остановилась, посмотрела на нее и, всплеснув руками, как-то неестественно вскрикнула: «Батюшка ты мой! Родной ты мой, вот и зубик-то твой выбитый!» — и с этими словами, как трава, подрезанная взмахом косца, повалилась на пол…

Старушка стояла на коленях и молилась на картину: «Прости меня, дорогое дитя, прости, мой милый Васенька!»
(В.Перов. Рассказы художника)
Перов пообещал женщине нарисовать Васеньку на отдельном полотне и действительно, спустя некоторое время, подарил ей портрет погибшего сына.

Инет

Василий Перов. «Тройка». 1866 год
Васи́лий Григо́рьевич Перо́в — русский живописец, один из членов-учредителей Товарищества передвижных художественных выставок. Википедия
Родился: 2 января 1834 г., Тобольск, Российская империя
Умер: 10 июня 1882 г. (48 лет), Москва, Российская империя
0
Поделиться с друзьями:

Клод Моне «Сорока», 1868—1869 годы

размещено в: История одной картины | 0
Клод Моне «Сорока», 1868—1869 годы

Клод Моне «Сорока», 1868—1869 годы

Клод Моне известен любителям живописи, в основном, своими замечательными кувшинками, которые он писал в большом количестве. Однако художник создавал и других замечательные пейзажи, в том числе и зимние. Одним из таких произведений является «Сорока».

Моне всегда увлекали мимолётные состояния природы, но зима казалось ему особенно сложной для выражения на холсте. При всей своей белизне, снег виделся художнику многоцветным, с невероятным количеством теней и оттенков. Мастер долго бродил с мольбертом и красками по заснеженным дворам, чтобы поймать живые блики и яркие краски зимы.

«Оживить» свой первый зимний пейзаж живописец решил сорокой, которая очень кстати села на калитку. Птичка хорошо вписывается в общую композицию картины, создавая чёткое ощущение реальности происходящего.

Игра со светом и тенью помогла художнику передать неповторимую атмосферу зимнего холодного утра. Пейзаж переполняют яркие солнечные лучи, которые словно переносят зрителя в заснеженный дворик и заставляют ощутить вкус и запах свежего морозного дня.

Однако критики холодно приняли «Сороку» и даже смеялись над ней, увидев фиолетовый снег с зелёными бликами. «Кажется, у художника галлюцинации!» — смеялись искусствоведы и журналисты.

Толпы зрителей тоже не восприняли картину, назвав её нагромождением мазков. В результате полотно было отвергнуто жюри Парижского салона 1869 года. Признание работа получила гораздо позже.

«Сорока» долго пребывала в частных коллекциях, пока её не приобрёл парижский Музей Орсе. Сегодня эта картина считается одним из самых популярных экспонатов музея.

Клод Моне «Сорока», 1868—1869 годы
Оска́р Клод Моне́ — французский живописец, один из основателей импрессионизма. Википедия
Родился: 14 ноября 1840 г., Париж, Франция
Умер: 5 декабря 1926 г. (86 лет), Франция
0
Поделиться с друзьями:

Исаак Ильич Левитан. «Осенний день. Сокольники»

размещено в: История одной картины | 0
Исаак Ильич Левитан. «Осенний день. Сокольники»
«Осенний день. Сокольники» — картина русского живописца Исаака Ильича Левитана, написанная в 1879 году. Одна из наиболее известных картин художника. В данный момент находится в Москве в Государственной Третьяковской галерее. Википедия
Создатель: Исаак Левитан
Год создания: 1879 г.
Музей: Государственная Третьяковская галерея
Жанр: пейзаж

Как-то в сумерки Левитан встретил у калитки своего дома молодую женщину. Ее узкие руки белели из-под черных кружев. Кружевами были оторочены рукава платья. Мягкая туча закрыла небо. Шел редкий дождь. Горько пахли цветы в палисадниках. На железнодорожных стрелах зажгли фонари.

Незнакомка стояла у калитки и пыталась раскрыть маленький зонтик, но он не раскрывался. Наконец он раскрылся, и дождь зашуршал по его шелковому верху. Незнакомка медленно пошла к станции. Левитан не видел ее лица, – оно было закрыто зонтиком. Она тоже не видела лица Левитана, она заметила только его босые грязные ноги и подняла зонтик, чтобы не зацепить Левитана. В неверном свете он увидел бледное лицо. Оно показалось ему знакомым и красивым.

Левитан вернулся в свою каморку и лег. Чадила свеча, гудел дождь, на станции рыдали пьяные. Тоска по материнской, сестринской, женской любви вошла с тех пор в сердце и не покидала Левитана до последних дней его жизни.

Этой же осенью Левитан написал «Осенний день в Сокольниках». Это была первая его картина, где серая и золотая осень, печальная, как тогдашняя русская жизнь, как жизнь самого Левитана, дышала с холста осторожной теплотой и щемила у зрителей сердце.

По дорожке Сокольнического парка, по ворохам опавшей листвы шла молодая женщина в черном – та незнакомка, чей голос Левитан никак не мог забыть. «Мой голос для тебя и ласковый и томный…» Она была одна среди осенней рощи, и это одиночество окружало ее ощущением грусти и задумчивости.

«Осенний день в Сокольниках» – единственный пейзаж Левитана, где присутствует человек, и то его написал Николай Чехов. После этого люди ни разу не появлялись на его полотнах. Их заменили леса и пажити, туманные разливы и нищие избы России, безгласные и одинокие, как был в то время безгласен и одинок человек.

Константин Паустовский

Исаак Ильич Левитан. «Осенний день. Сокольники»
Автопортрет. 1880 год. Исаа́к Ильи́ч Левита́н — русский художник, мастер «пейзажа настроения». Академик ИАХ. Википедия
Умер: 4 августа 1900 г., Москва, Российская империя
0
Поделиться с друзьями: