Орест Адамович Кипренский

размещено в: Из жизни художников | 0
КИПРЕНСКИЙ ОРЕСТ АДАМОВИЧ – родился 24 марта 1782 года
 
Великий русский художник, профессор исторической живописи, мастер портрета. Его кисти принадлежат известные портреты русских поэтов: Василия Жуковского, Александра Пушкина, Константина Батюшкова.
240 лет со дня рождения
 
 
Орест Адамович Кипренский
Орест Кипренский автопортрет 1828г.

Орест Адамович Кипренский родился 24 марта 1782 года на мызе Нежинской, принадлежащей Ораниенбаумскому уезду. Мальчик оказался внебрачным сыном помещика Алексея Дьяконова и крепостной Анны Гавриловой. Женщину с ребенком выдали замуж за крепостного Адама Швальбе, немца по национальности.
Настоящий отец будущего художника заботился о нем, и в 1788-м, получив вольную, Орест покинул родителей и был зачислен в Воспитательное училище при Академии художеств в Санкт-Петербурге. По документам ученик проходил под фамилией Кипренский. В 1797 году юноша поступил в саму академию, где его наставниками выступили живописцы Григорий Угрюмов и Дмитрий Левицкий.
За годы учебы Кипренский неоднократно демонстрировал талант, получал золотые и серебряные награды за работы. В 1803 году Орест получил аттестат 1-й степени и шпагу, но с разрешения директора заведения остался там в качестве пансионера еще на 3 года.
Личная жизнь в биографии художника сложилась драматично. Приехав в Италию в 1816 году для совершенствования техники живописи, Кипренский работал в мастерской, куда приглашал натурщиц. Одна из них водила с собой 6-летнюю дочь Анну-Марию Фалькуччи (по некоторым источникам, девочка сама позировала творцу для картины «Анакреонова гробница»).

Детский портрет маленькой итальянки Мариуччи, как назвал ее русский мастер, Орест написал в 1819 году. Мать Анны-Марии вела распутный образ жизни, и живописец, обеспокоенный судьбой ребенка, постарался выкупить девочку и стать ее опекуном. Однако обеспечить счастливое детство воспитаннице Кипренский не смог.

Орест Адамович Кипренский

Вмешался случай — одну из моделей художника нашли мертвой. Дама умерла страшной смертью — ее тело накрыли холстами, облитыми скипидаром, и подожгли. Вскоре не стало в живых и слуги живописца, молодого итальянца. Сам Орест утверждал, что его прислужник и убил натурщицу. Полиция Рима не смогла подтвердить или опровергнуть эти слова, но репутация творца сильно пострадала.

Мужчина не мог больше оставаться в Риме, поэтому, заботясь о Мариучче, постарался устроить девочку в какой-нибудь монастырь. После, покинув Италию, а за ней и Францию, куда донеслись слухи о странных смертях, он вернулся в Россию. В 1828 году, не переставая думать об Анне-Марии, художник вернулся на родину девушки, чтобы сделать ей предложение.

Однако пара сочеталась браком только в июле 1836 года, на тот момент итальянке исполнилось 26 лет. Все время с момента приезда Орест стремился найти достаточно средств к существованию. Чтобы вступить в брак с возлюбленной, живописцу пришлось сменить православную веру на католическую. С женой он прожил вместе всего 3 месяца: Кипренский скончался в октябре. Через полгода Мариучча родила дочь Клотильду, а через несколько лет повторно вышла замуж.

Орест Адамович Кипренский
Кипренский Мать с ребенком


В 1804 году живописец подготовил для выставки Академии художеств первую работу — написал портрет Адама Швальбе.

А. К. Швальбе (1742-1807) был крепостным небогатого ораниенбаумского помещика А. С. Дьяконова. Мать Кипренского — Анна Гаврилова, была выдана замуж за А. К. Швальбе через год после рождения у нее сына. Известно, что он был хорошим отцом Оресту. В семье Швальбе было ещё пятеро детей (сын и четыре дочери). После смерти А. С. Дьяконова, в 1800 г., А. К. Швальбе получил вольную.

Ранним, но одним из лучших считается портрет отчима — Адама Швальбе. По-Рембрандтовски сочно изображен умудренный жизнью, суровый, властный старик. Разметавшиеся волосы, резкая игра света и тени, широкие, густые мазки создают впечатление необычности натуры. А исполнение? Такого еще не было в русском искусстве. Не случайно неаполитанская академия в 1830 году дала заключение, что холст «не суть работа художника нынешнего века». Кипренский писал: «…отца портрет они почли шедевром Рубенса, иные думали Вандика (Ван Дейка), а некто Рембрандт пожаловал».

Автор очень дорожил этим портретом, дважды возил с собой за границу и вообще не расставался с ним.

Орест Адамович Кипренский

В качестве основной техники автор использовал прием лессировки. Картина, выполненная в темно-золотистом тоне, напоминала произведения старых мастеров и вызвала много восторженных отзывов.

Через год для академического конкурса Орест создал полотно «Дмитрий Донской на Куликовском поле».

Работа на исторический сюжет, написанная в стиле французского классицизма, стала лучшей — студент получил Большую золотую медаль. Также Кипренский участвовал в росписи строившегося в городе на Неве Казанского собора — создал икону «Богоматерь с младенцем».

Но в дальнейшем иконопись не увлекала творца, как и пейзажи. Популярным жанром у светской петербургской публики в начале XIX столетия стали портреты.

Орест Адамович Кипренский
 Богоматерь с младенцем икона
Орест Адамович Кипренский
Кипренский Портрет Ольги Смирновой

К тому времени их могли позволить себе не только цари и полководцы, но и знатные купцы. У молодого художника появились заказчики, в том числе и торговец Иван Кусов, образ которого запечатлел живописец в 1808г.

Орест Адамович Кипренский
Кипренский Иван Кусов

На картине, созданной в направлении романтизма, зрители увидели подростка, почти ребенка, с нежной кожей и удивительными «внимательными» глазами.

Психологизм впоследствии стал неотъемлемой особенностью живописи автора. Известность автору принес портрет Александра Челищева, который позднее оказался героем Отечественной войны 1812 года.

Орест Адамович Кипренский
Кипренский Челищев А.А. 1809г.
Орест Адамович Кипренский
Кипренский Зинаида Волконская

В 1809 году Кипренский отбыл из Петербурга в Москву, чтобы продолжить работать там. За время пребывания в Белокаменной живописец написал парные портреты супругов Ростопчиных. В отличие от модных «парадных» картин этого жанра, Орест представил мужа и жену по-домашнему скромными, что придало полотнам глубину. 

Орест Адамович Кипренский
Кипренский Елена Ростопчина
Орест Адамович Кипренский
Кипренский Федор Ростопчин

Ярким произведением этого периода стал «Портрет лейб-гусарского полка полковника Евграфа Владимировича Давыдова». Больше столетия после появления этого творения считалось, что на нем изображен знаменитый гусар и партизан Денис Давыдов.

На самом деле перед публикой «предстал» Евграф Владимирович Давыдов. Причиной путаницы стала неверная расшифровка экспертами подписи к полотну самого автора. В 1812-м он получил звание академика, а в 1815-м стал советником Императорской академии художеств.

Орест Адамович Кипренский
Кипренский Евграф Давыдов
Орест Адамович Кипренский
Кипренский Василий Андреевич Жуковский
Орест Адамович Кипренский
Кипренский конный портрет Александра первого

В 1816 году живописец впервые поехал за границу благодаря протекции императрицы Елизаветы Алексеевны, которая высоко ценила талант творца.

Италия вдохновила Ореста величественными зданиями, прекрасной скульптурой и живописью. Здесь художник познакомился с образцами искусства эпохи Античности и Возрождения.

Орест Адамович Кипренский
Портрет Мариуччи

В Риме и Неаполе Кипренский писал заказные портреты, а также рисовал местных жителей. Талант автора не остался незамеченным — от Флорентийской академии живописцу поступило предложение создать автопортрет для галереи Уффици. Орест стал первым из русских мастеров, кто удостоился такой чести.

Орест Адамович Кипренский
Кипренский автопортрет

Вернувшись в Россию в 1823 году, Орест Адамович столкнулся с трудностями в работе: из-за «итальянских» слухов заказов было мало. В этот период ему помог граф Дмитрий Шереметьев, предложивший художнику работать в мастерской при дворце. Постепенно о скандальном происшествии забыли. Именно там в 1827-м Кипренский создал портрет Александра Пушкина.

Орест Адамович Кипренский

В том же году на свет появилось полотно «Бедная Лиза», изобразившее главную героиню повести Николая Михайловича Карамзина. Живописцу удалось запечатлеть на картине богатую эмоциональную палитру. В лице девушки читались легкая грусть и тихое счастье, скромность и возвышенность.

Орест Адамович Кипренский
Кипренский Бедная Лиза

Через год художник покинул Россию и переехал в Италию. Здесь, едва находя средства к существованию, автор в последние годы жизни продолжал писать жанровые картины «Неаполитанские мальчики», «Читатели газет в Неаполе» и портреты. В середине октября 1836 года живописец заболел воспалением легких, что стало причиной смерти. Кипренского похоронили в церкви Сант-Андреа-делле-Фратте в Риме.

Орест Адамович Кипренский
Кипренский Неаполитанские мальчики
0
Поделиться с друзьями:

Художник-карикатурист Андрей Попов

размещено в: Из жизни художников | 0

Иронические карикатуры бывшего офицера из Питера, которые позволяют посмотреть на жизнь под другим углом.

Художник-карикатурист Андрей Попов
Андрей Попов – питерский художник-карикатурист.
Художник-карикатурист Андрей Попов

Уже давно вошло в привычку то, что карикатуры несут в себе негативную сторону чего-либо. Однако работы питерского художника самоучки Андрея Попова, одного из самых оригинальных и интересных карикатуристов современной России, совершенно не такие.

Они хотя и являются иногда горькими пародиями на нашу жизнь, но превращают даже трагические ее стороны в смешные. Их можно назвать скорее жизненными зарисовками, пропитанными любовью к людям и жизни во всех ее проявлениях, правда, иногда с примесью легкой иронии. Ну, а как без нее…

Жизненный и творческий путь Андрея Попова – это удивительная история о том, как человек не просто круто изменил прежде выбранный путь, но и преуспел на новом.

Это история о том, как потомственный военный, отдавший немало лет учёбе в Военно-инженерном Космическом Институте, мечтавший о космонавтике, резко остановился, вспомнив то, чему когда-то научился в детской студии художественного творчества и стал художником-карикатуристом.

Со своим видением мира, порой с весьма необычного ракурса, Андрей в творческом подходе мастерски варьирует от бытовых тем до сюрреалистических сюжетов, осторожно скользя по грани между юмористическим и романтичным.

Сам о себе говорит как о непрофессиональном художнике занявшемся карикатурой под влиянием своего одногруппника в детской изостудии.

Художник-карикатурист Андрей Попов
Художник-карикатурист Андрей Попов
Художник-карикатурист Андрей Попов

О художнике

Андрей Попов родился 13 февраля 1970 года в Ташкенте, в семье военнослужащего. Рисовать начал с раннего детства. Родители, видя в мальчике неплохие задатки, отвели его в художественную студию.

Андрей до сих пор помнит слова своего первого наставника Якова Львович Фрумгарца «Главное в картине – выразительность». И она, по мнению преподавателя, заключалась в умении ребенка передать эмоцию, настроение, а также приоткрыть дверь в созданный только им мир. 

Поэтому в студии поощрялась полная свобода выбора, фантазия, а академические элементы обучения композиции и перспективы вводились ненавязчиво, как бы между прочим.

В одной группе с Поповым учился мальчик Женя Воробьев, который очень выделялся на фоне других ребят художественным талантом, в особенности в жанре карикатуры. И Андрей, глядя на его юморные забавные рисунки, всерьез загорелся карикатурой.

Художник-карикатурист Андрей Попов
Художник-карикатурист Андрей Попов
Художник-карикатурист Андрей Попов
Художник-карикатурист Андрей Попов
Однако после школы Андрей по зову сердца поступил в Военный инженерно-космический институт им. А.Ф. Можайского. И уже там Андрей начал делать жизненные зарисовки из жизни сокурсников, а позже и из армейского быта, оттеняя их нотками юмора и иронии.
 
В 1992 году Попов окончил вуз, потом три года отслужил в армии, где также в свободное время много рисовал, особенно шаржи на сослуживцев, а втайне и на высший командный состав.
 
А когда однажды самоучку-карикатуриста поймали на горячем (шарж на командира друзья размножили и один из экземпляров попал тому в руки), Попов был вызван «на ковер», а после хорошей взбучки получил разрешение рисовать карикатуры, правда, теперь уже, конечно, с учетом воинской этики и по делу. 
Художник-карикатурист Андрей Попов
Спокойной ночи. / Сладкие сны. 
Художник-карикатурист Андрей Попов
Художник-карикатурист Андрей Попов
Звездный песок. / Потеря времени. Карикатуры Андрея Попова.

Уволившись из вооруженных сил в звании старшего лейтенанта, Андрей остался в Петербурге и решил испробовать себя в профессии иллюстратора-карикатуриста.

Он поступил на работу в газету «Деловой Петербург» и стал иллюстрировать новости, причем довольно успешно. 10 лет рисовал для этого периодического издания карикатуры, пока в нем не поменялась концепция. Газета перестала иллюстрировать материалы в таком формате. Карикатура, как острая сатира, была задвинута куда подальше.
Мало кому из вышестоящего эшелона власти нравились персонифицированная сатира в виде иллюстраций на чиновников высшего звена. Однако на этом художества Андрея Попова не закончилась – это был только старт на карьерной лестнице будущего мастера современной карикатуры и "гэга".
 
Художник-карикатурист Андрей Попов
Продавец очков
Художник-карикатурист Андрей Попов
Художник-карикатурист Андрей Попов
Художник-карикатурист Андрей Попов
Семейные метаморфозы. / Утренний кофе.
Художник-карикатурист Андрей Попов
Поматрошу. / Ангел мой, бежим со мной… 
Художник-карикатурист Андрей Попов
Селфи. / Финиш. Карикатуры Андрея Попова.

Впрочем, тенденции восприятия карикатур зрителем поменялись и в современном социуме в целом.

К примеру, в российском интернет-пространстве карикатура пока "дышит" свободно, потому как кардинально изменила свои ориентиры. Многие еще наверняка помнят как карикатура была злой сатирой, олицетворяющей борьбу с пороками власти и системы.

А теперь это никому не нужно. Сейчас на "ура" воспринимается карикатура с "гэгом", который должен насмешить. И когда зритель заходит на карикатурный сайт, то ждет, что посмеется от души. (Для справки: гэг (от английского gag) — шутка или комический эпизод, в основе которого лежит очевидная нелепость).

Художник-карикатурист Андрей Попов
Прости, Пабло.
Художник-карикатурист Андрей Попов
Художник-карикатурист Андрей Попов
Художник-карикатурист Андрей Попов
Четвероногие друзья. 
Что любопытно, художник Андрей Попов не только по доброму высмеивает пороки общества в своих карикатурах и с иронией относится к странностям и противоречиям ситуаций.
 
В своих "гэгах" он смотрит, как говорится, в корень и ищет то вечное и философское, чем пронизан мир. Он под особым ракурсом видит обыденную жизнь, а затем "рассказывает" зрителю о ней, с точки зрения человека творческого и философски настроенного.
 
Художник-карикатурист Андрей Попов
«Иногда приходится слышать, что мои работы не карикатуры, а представляют собой нечто другое. Я не озабочен классификацией, но все же думаю, что присущий им обычно некий «гэг» свидетельствует именно о карикатурном происхождении,- говорит Андрей Попов о своем творчестве.
 
– Вообще, наш жанр намного шире, чем кажется. Карикатура сродни улыбке. Ведь в улыбке столько оттенков! И во весь рот, и ироническая, и загадочная джокондовская, и смех сквозь слезы, и таящая грусть…
 
Поэтому карикатура — это не только социальная и политическая сатира, дружеские шаржи и простенькие изошутки, но и философия, взгляд на жизнь через призму иронии и остроумия».

К тому же Попов считает, что карикатура не должна быть уродливой: «… нужно рисовать красивое. Чтобы люди удивились, посмеялись, а главное, чтобы не отчаивались».
Инет
 
 
Художник-карикатурист Андрей Попов
Одиночество. / Мир не будет прежним. 
Художник-карикатурист Андрей Попов
Ожерелье. / Мечты. 
Художник-карикатурист Андрей Попов
Несправедливость. 
Художник-карикатурист Андрей Попов
Художник-карикатурист Андрей Попов
Альбом "Предновогодние настроения"
0
Поделиться с друзьями:

Русский художник-передвижник Владимир Егорович Маковский

размещено в: Из жизни художников | 0
Русский художник-передвижник Владимир Егорович Маковский
Влади́мир Его́рович Мако́вский — русский художник-передвижник, живописец и график, педагог, мастер жанровой сцены; академик, действительный член Петербургской Академии Художеств. Википедия
Родился: 7 февраля 1846 г., Москва, Российская империя
Умер: 21 февраля 1920 г. (74 года), Санкт-Петербург, РСФСР Автопортрет

7 февраля 1846 года в Москве родился Владимир Егорович Маковский -русский художник-передвижник, живописец и график, педагог, мастер жанровой сцены; академик , действительный член Петербургской Академии Художеств.
 Его мать, певица Любовь Молленгауэр, преподавала в Московской консерватории. Отец, Егор Маковский, был членом Московского художественного общества и одним из основателей Московского училища живописи, ваяния и зодчества.

В семье росло пять детей. С ранних лет отец учил их рисовать. В гости к Маковским часто приходили известные живописцы того времени: Василий Тропинин, Сергей Зарянко и Карл Брюллов. Они занимались с детьми, разрешали посещать свои мастерские. Позднее Константин, Николай и Александра Маковские также стали художниками.

Свою первую картину Владимир Маковский написал в семь лет — изобразил одного из родительских гостей. Под руководством отца начинающий художник копировал гравюры. С матерью Маковский занимался музыкой. Он умел играть на гитаре и скрипке, хорошо пел. Позднее вспоминал: «Я не знаю какое искусство люблю больше, живопись или музыку… Каждый день я, бросая кисть, берусь за смычок и играю, один, для себя…»

В 1861 году Владимир Маковский поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества. Он занимался в классе художников Сергея Зарянко и Евграфа Сорокина, учеников Алексея Венецианова. В следующем году на студенческой выставке показали картину Маковского «Квасник». На ней художник изобразил мальчика, который продавал квас. Это полотно он создал под руководством отца и Василия Тропинина. Они требовали от Маковского правильно строить композицию и точно передавать натуру, быть внимательным к деталям.

Русский художник-передвижник Владимир Егорович Маковский
Квасник 1961 г 

В 1866 году Владимир Маковский окончил училище. За работу «Литературное чтение» он получил Большую серебряную медаль. Героев картины он писал с отца и своей невесты Анны Герасимовой.

Русский художник-передвижник Владимир Егорович Маковский
Литературное чтение 1866 г 

Несколько лет Владимир Маковский работал над картиной «Крестьянские мальчики в ночном стерегут лошадей». Полотно он создал под впечатлением от рассказа Ивана Тургенева «Бежин луг».

Русский художник-передвижник Владимир Егорович Маковский
В. Е. Маковский «Крестьянские мальчики стерегут лошадей», 1869

За полотно «Крестьянские мальчики в ночном стерегут лошадей» Маковский получил золотую медаль имени французской портретистки Виже-Лебрен от Академии художеств. На награду ежегодно выдвигали наиболее выразительные картины, где живописцы тонко передали эмоции героев. За эту же работу Маковскому дали звание классного художника I степени. Оно позволяло получить личное дворянство и денежное пособие, а также съездить на учебу в Европу за счет Академии художеств.

В 1869 году Владимир Маковский женился на Анне Герасимовой. В том же году у него родился сын Александр. После этого Маковский вновь стал рисовать детей. Эта тема стала главной в творчестве художника в 1870-х. Картина «Игра в бабки» с изображением крестьянских ребятишек стала первой, которую купил для своей галереи Павел Третьяков. В дальнейшем меценат еще несколько раз приобретал у художника полотна.

Русский художник-передвижник Владимир Егорович Маковский
Игра в бабки. 1870 г 

Также Владимир Маковский писал юмористические жанровые сценки. На таких картинах художник сатирически изображал купцов, мещан и чиновников. В 1870 году он написал сценку «В приемной у доктора».

Об этой работе критик Владимир Стасов писал: «Владимир Маковский — один из тех художников, которые на моих глазах в короткое время сделали самые большие успехи. <…> Нынешняя его «Приемная у доктора»… одна из примечательнейших… картинок современной русской школы».

Русский художник-передвижник Владимир Егорович Маковский
В приёмной у доктора . 1870 г 

За картину «Любители соловьиного пения», которую Маковский написал в 1873 году, он получил звание академика живописи. Общество поощрения художеств наградило живописца денежной премией.

В том же году картины Маковского впервые показали за границей. Полотна «Любители соловьиного пения» и «В приемной у доктора» отвезли в Вену на Всемирную универсальную выставку. В иностранной прессе писали о «чисто русских сюжетах Маковского», самобытности его картин.

Русский художник-передвижник Владимир Егорович Маковский
«Любители соловьиного пения».
Еще в 1870 году Владимир Маковский стал одним из 15 художников, которые подписали устав Товарищества передвижных художественных выставок. Среди целей этой организации были «облегчение для художников сбыта их произведений» и «развитие любви к искусству в обществе». 
 
В 1872 году Маковского приняли в члены Товарищества, а еще через год художник вошел в правление общества. С этого момента он принимал участие почти во всех выставках передвижников. Маковский вспоминал: «Репин говорит, что нужно семь раз умереть, прежде чем написать картину. Это, конечно, так… А я семь раз умираю после того, как напишу картину… Ведь картина по России ездит, что Россия скажет, вот что главное: вот где суд!»
 
Кроме картин на социальные темы в эти годы Маковский все еще писал жанровые сцены с детьми. В 1881 году художник создал картину «В жаркий день». Это полотно — типичное произведение Маковского 1880-х годов в стиле реализма. Художник следовал традициям венециановской школы живописи: изображал персонажей за бытовыми занятиями.
 
Русский художник-передвижник Владимир Егорович Маковский
В жаркий день 1981 г 
На свои картинах Владимир Маковский, в отличие от других передвижников, делал акцент не на сюжете, а на эмоциях героев. 
 
В 1882 году Маковский стал старшим преподавателем Московского училища живописи, ваяния и зодчества. Как и другие передвижники, в эти годы он стал писать картины на крестьянскую тему. На картине «Свидание» он изобразил мать и сына. Мальчика отдали в ученики к одному из городских ремесленников, а мать приехала его навестить. 
 
Русский художник-передвижник Владимир Егорович Маковский
Свидание 1883 г 
Русский художник-передвижник Владимир Егорович Маковский
На бульваре 1887 г 
В 1892 году Владимир Маковский получил звание профессора Императорской Академии художеств. Через два года художник переехал в Петербург. Ему предложили возглавить класс жанровой живописи и создать собственную мастерскую.
 
 С 1895 года живописец стал ректором Высшего художественного училища при Императорской Академии художеств. В 1896 году Маковского пригласили на коронацию Николая II в Москве. Художник должен был создать картину по итогам мероприятия. Он стал свидетелем давки на Ходынском поле, где погибло более тысячи человек.
 
Следующие пять лет Маковский работал над картинами «Ходынка» и «После Ходынки. Ваганьковское кладбище». На полотнах живописец изобразил жертв давки, их тела. В 1901 году «Ходынку» сняли с выставки передвижников по решению цензуры. От московского генерал-губернатора Маковскому передали записку: «Картине еще не время, она является солью, посыпанной на свежую рану». Впервые полотна показали только на выставке в Лондоне в 1910 году.
 
Русский художник-передвижник Владимир Егорович Маковский
Ходынка 1897 г 

Кроме жанровых сцен Маковский писал портреты своих родственников, петербургских чиновников. В 1912 году он создал портрет вдовствующей императрицы Марии Федоровны, матери Николая II.

Когда художник работал над картиной, ей уже исполнилось 60 лет. Однако члены императорской семьи хотели, чтобы на портрете императрица была изображена в молодости. Поэтому Марию Федоровну Маковский писал с фотографии 1883 года, а не с натуры.

Русский художник-передвижник Владимир Егорович Маковский
Императрица Мария Фёдоровна, 1912
В 1915 году Владимир Маковский отметил 50-летний юбилей своего творчества. В честь этого передвижники устроили торжественный вечер. Маковский был одним из самых активных членов Товарищества. На каждой выставке присутствовало 10–20 его картин.
 
Русский художник-передвижник Владимир Егорович Маковский
Посещение бедных 1874 г 
Русский художник-передвижник Владимир Егорович Маковский
В трактире 1887 г 
Русский художник-передвижник Владимир Егорович Маковский
Обьяснение 1891 г 
Русский художник-передвижник Владимир Егорович Маковский
Две сестры 1993 г 
Русский художник-передвижник Владимир Егорович Маковский
Две матери . Приёмная и родная 1906 г 
Русский художник-передвижник Владимир Егорович Маковский
Музыкальный вечер 1906 г

После Февральской революции 1917 года Владимиру Маковскому предложили возглавить Академию художеств и провести в ней реформу.

Помешала этому Октябрьская революция. Большевики уволили живописца из Академии художеств, но назначили ему пенсию. Владимир Маковский умер 21 февраля 1920 года в Петрограде. Похоронили художника на Смоленском православном кладбище.

Инет

0
Поделиться с друзьями:

Зураб Константинович Церетели

размещено в: Из жизни художников | 0
Зураб Константинович Церетели
Зура́б Константи́нович Церете́ли — советский, грузинский и российский художник-монументалист, скульптор, живописец, педагог. Президент Российской академии художеств. Академик АХ СССР. Герой Социалистического Труда. Народный художник СССР. Народный художник Российской Федерации. Лауреат Ленинской премии, двух Государственных премий СССР и Государственной премии Российской Федерации. Полный кавалер ордена «За заслуги перед Отечеством». Википедия
Родился: 4 января 1934 г. (88 лет), Тбилиси, СССР

4 января 1934 года родился президент Российской академии художеств, народный художник СССР, Грузии и РФ, полный кавалер ордена «За заслуги перед Отечеством», лауреат Премии Пикассо, Посол Доброй воли ЮНЕСКО Зураб Константинович Церетели.

Выдающийся живописец, монументалист, скульптор, общественный деятель Зураб Константинович – одна из самых ярких личностей современного культурного пространства. Многогранный талант художника проявился в масштабных архитектурно-скульптурных комплексах, величественных монументах и благородных памятниках, мозаике, витраже, рельефах и круглой скульптуре, живописи, графике, эмали. Его творчество получило широкое международное признание.

С 1997 года З.К.Церетели является президентом Российской академии художеств. Под его чутким руководством Академия ведет большую научную, выставочную работу, реализуются совместные проекты с ЮНЕСКО, успешно работают отделения РАХ в регионах нашей страны. Академия, сохраняя и развивая традиции российской художественной школы, воспитывает поколения молодых художников, высоких профессионалов, творчество которых уже стало достоянием российской и мировой культуры.

21 декабря 2021 года решением 584-го Общего собрания членов Российской академии художеств Зураб Константинович Церетели переизбран Президентом РАХ.

Зураб Константинович Церетели
Зураб Константинович Церетели
0
Поделиться с друзьями:

Надежда Николаевна Рушева

размещено в: Из жизни художников | 0
Надежда Николаевна Рушева
Наде́жда Никола́евна Ру́шева — советская художница-график. Википедия
Родилась: 31 января 1952 г., Улан-Батор, Монгольская Народная Республика
Умерла: 6 марта 1969 г. (17 лет), Москва, СССР

Девочка Найдан родилась в 1952 году, в Монголии, в Улан-Баторе. Её родители были творческими людьми: мама балерина, отец художник. После рождения дочери семья переехала в Москву.

Маленькая Надя (так сокращённо называли девочку) с детства наблюдала, как работает отец. Когда ей исполнилось пять лет, она начала рисовать. Да так здорово, что взрослые были поражены. Ведь никто не учил её графике. Но Надя делала это виртуозно.

Когда она перешла в пятый класс, в 1964 году, прошла первая выставка юной художницы, организованная журналом «Юность».

Её работоспособность была потрясающей. Например, к роману «Мастер и Маргарита» Рушева сделала более 200 иллюстраций. Наде создавала великолепные рисунки, посвящённые жизни и творчеству Пушкина, которого называла любимым поэтом. Её «Пушкиниана» была известна всему Советскому Союзу.

Когда в Пушкинском музее проходила выставка графики семнадцатилетний Рушевой, люди часами стояли в очереди, чтобы попасть внутрь и посмотреть восхитительные рисунки и иллюстрации, созданные Надей. К сожалению, гениальная художница умерла в возрасте 17 лет.

Это произошло в 1969 году: девочка собиралась выйти из дома, наклонилась, чтобы завязать шнурки, и из-за врожденной аневризмы мозга лопнул сосуд. Люди постарше прекрасно помнят Рушеву. А в 1982 году в ее честь была названа малая планета.

Надежда Николаевна Рушева

Никто не смог достичь её высот Самая юная художница СССР внезапно ушла из жизни в 17 лет, оставив миру свои гениальные работы
В январе 2022 года Наде Рушевой могло бы исполниться 70 лет. Никто не смог достичь её высот, и никто до сих пор не смог объяснить эту врождённую гениальность девочки.
Она совсем не училась рисованию, просто один раз взяла в руки карандаш и начала выводить чёткие линии по бумаге.
Надя никогда не пользовалась ластиком. Она не делала ошибок в своих картинах. Чётко и уверенно, а главное – быстро, девочка спокойно рисовала линию за линией, в то время как изображение на бумаге превращалось в настоящее произведение искусства без лишнего пафоса.
«Я их заранее вижу… Они проступают на бумаге, как водяные знаки, и мне остаётся их чем-нибудь обвести»,
— говорила Надя
«Беспощадная жестокость судьбы вырвала из жизни только что расцветший талант гениальной московской девочки Нади Рушевой. Да, гениальной, — теперь нечего бояться преждевременной оценки.»
— из статьи академика В. А. Ватагина в журнале «Юность»
Самое удивительное, что первый рисунок она выдала в возрасте пять лет.
Её семья, родные, родственники, знакомые и просто чужие люди пытались выяснить – что мотивирует девочкой для рисования целыми днями вместо игр, а также самое главное – каким образом у неё получаются столь великолепные картины.
На это Надя только пожимала плечами. Она и сама толком не могла этого объяснить. Говорила, что ей просто нравится рисовать, а ещё – что она как будто обводит невидимые глазу контуры на бумаге.
Вроде раскрашивает «раскраску», как это обычно делают дети. Но при этом она не пользовалась всей гаммой цветов, как хотелось бы детям. Карандаш и чистый лист – вот что любила Надя, потому что рисовала она именно в графическом стиле.
Детство девочки
Возможно, корни гениальности девочки заложены в её семье. Папа Нади был советский художник Николай Рушев, а мама – Наталья Ажикмаа-Рушева была выдающейся тувинской балериной.
Надя родилась в Монголии и получила от родителей загадочное имя Найдан, которое затем переросло в Надю.
Вскоре родители сменили место жительства на Москву, где маленькую Надю восхищало всё, включая ажурные узоры на деревьях, которые на них появлялись при выпадении первого снега.
Надя начала рисовать без какой-либо подготовки, но также, несмотря на свою творческую гениальность, до школы она не умела ни читать, ни писать.
Родители не отвлекали ребёнка от того, от чего она была в истинном восторге. А единственным её хобби было рисовать сутками. Всего за полдня она могла нарисовать около 36 иллюстраций к произведениям Пушкина, которого она очень любила.
Пока папа читал ей вслух сказки Пушкина, Надя изображала то, о чём она с таким упоением слушала.
Важное решение отца
Надин папа долго раздумывал над судьбой своей гениальной дочери и принял решение не отдавать её в художественную школу, хотя такое решение порядком удивило всех вокруг.
Люди думали, что судьба девочки предопределена и она обязательно должна повышать своё мастерство с помощью обучения. Но отец сказал, что обучение может поломать творческую интуицию его дочки, и она станет рисовать «как надо», а не как она чувствует.
Надя оставила за свою короткую жизнь более 12 тысяч прекрасных рисунков. В 12 лет была организована её первая выставка, на которой у людей просто захватывало дух от удивления и восторга.
За следующие 5 лет таких персональных выставок состоялось 15 штук. Талантом молодой советской художницы восхищался весь мир.
Жизнь Нади оборвалась от неожиданного недуга, девочка без всяких предпосылок покинула этот мир за один день. Через 6 лет после её ухода в молодом возрасте ушёл и её отец, его организм дал сбой от невыносимости жить без любимой дочери.
Надина мама больше никогда не имела детей. Она прожила долгую жизнь и ушла в возрасте 88 лет. Всю жизнь она посвятила сохранению памяти своей дочери.
Работы юной Нади Рушевой хранятся в музеях разных городов России, а её 160 выставок прошли в разных странах мира. А наша задача – хранить память о таланте, который так редко встречается в современном мире.

Надежда Николаевна Рушева
Надежда Николаевна Рушева
Надежда Николаевна Рушева
Надежда Николаевна Рушева (31.01.1952—06.03.1969гг) Советский художник—график. Ее рисунки к роману М.А.Булгакова "Мастер и Маргарита" признаны лучшими. Прошло более 160 выставок ее работ в разных странах мира, осталось более 12 тысяч рисунков.

Начала рисовать Надя с 5-ти лет.
"Я их заранее вижу… Они проступают, как водяные знаки, и мне остается их чем- нибудь обвести." Говорила художница, которая работала без эскизов и резинки. В творчестве Нади было несколько циклов творческих работ. Она создала рисунки для произведений более 50 авторов. Самым последним в ее жизни был цикл к роману М.А. Булгакова. Она стала первым художником, проиллюстрировавшим роман.
Вдова писателя Е.С.Булгакова на титульном листе книги оставила свой автограф "Как жаль, что я не знала это необыкновенное существо".
Среди Надиных зарисовок изображен балет "Анна Каренина". Такой балет был поставлен после смерти художника, и главную роль в нем танцевала легендарная балерина Майя Плисецкая.

Надежда Николаевна Рушева
Надежда Николаевна Рушева
Надежда Николаевна Рушева
Надежда Николаевна Рушева
Надежда Николаевна Рушева
Надежда Николаевна Рушева
Надежда Николаевна Рушева
Надежда Николаевна Рушева
0
Поделиться с друзьями:

Василий Дмитриевич Поленов

размещено в: Из жизни художников | 0
Василий Дмитриевич Поленов
Васи́лий Дми́триевич Поле́нов — русский художник, педагог, профессор Императорской Академии художеств. Василий Дмитриевич занимался исторической, пейзажной и жанровой живописью. Народный художник РСФСР. Один из реформаторов, принёсший понимание пленэрного этюда как самостоятельного произведения. Википедия
Родился: 1 июня 1844 г., Санкт-Петербург, Российская империя
Умер: 18 июля 1927 г. (83 года), СССР

О НЁМ ВСЁ ВРОДЕ УЖЕ ИЗВЕСТНО. Но сегодня я хочу написать немного о личной жизни великого художника.

Любовь в жизни Поленова: несчастная и счастливая:
Аристократ по жизни, и в любви Поленов оказался, действительно, аристократом. Его прозвали «рыцарем красоты», знакомые дамы уверяли, что Поленов, не замеченный ни в каких случайных связях, даже апельсин чистит элегантно, как принц.

Когда он впервые серьёзно полюбил, ему было уже около 30-ти. Это случилось в Риме. Поленов часто бывал в художественных кругах, собиравшихся у Адриана и Эмилии Праховых, Саввы и Елизаветы Морозовых. Там он и увидел впервые 18-летнюю Марусю Оболенскую, русскую девушку, учившуюся в Италии оперному пению.

Вспыхнувшее чувство Поленова было таким сильным, что лишило его слов. Его называли «влюблённым аскетом». Он так и не решился объясниться с Марусей.

А потом случилось непоправимое: она умерла в результате медицинской ошибки. Ослабленной болезнью Оболенской была ошибочно сделана прививка от оспы, оказавшаяся смертельной.

Убитая горем мать Маруси просит Поленова написать портрет ее дочери по памяти. Просьбу художник выполнил, и вскоре портрет был отправлен семье Оболенских.

В благодарственном письме мать напишет Василию Поленову: «Я ждала его с лихорадочным нетерпением… Признаюсь, откровенно, действительность превзошла мечты моего воображения… Вы один могли передать на полотно тот внутренний мир, которым жила Маруся».
Но к сожалению это творение мастера было утеряно, и дальнейшая его судьба не известна.

Похоронили Оболенскую в белом наряде невесты. А Поленов, очень тяжело переживая утрату любимой и сожалея, что не успел признаться ей в своих чувствах, все ходил и ходил на старинное кладбище по темным кипарисовым аллеям к памятнику, где нашла свое последнее пристанище его первая любовь.
По истечении пяти лет после смерти Оболенской,

Поленова настигла новая любовь, еще более внезапно: в купе поезда ему встретилась очаровательная женщина. Оказалось, её тоже зовут Мария – Мария Климентова, и – о чудо! – она оперная певица, какой могла бы стать и Маруся Оболенская. Поразившись совпадению, Поленов влюбился горячо и страстно.

Климентова не отвечала взаимностью, но и не отвергала явно, то приближая художника к себе, то отталкивая. Позднее похожую интрижку, основанную не на любви, а на пустом женском тщеславии, эта оперная дива заведёт с писателем Чеховым.

Поленов же, вернувшись из очередной зарубежной поездки, с горечью узнал, что Мария Климентова скоропостижно – нет, не умерла, как Маруся Оболенская, а выскочила замуж за какого-то адвоката, потом от неудовлетворённости начала выпивать, приобщилась к карточной игре.

Утешения художник искал, как всегда, у друга Саввы Мамонтова, в его усадьбе Абрамцево. Только там он отдыхал душой, отдаваясь творчеству. На абрамцевских пленэрах написаны многие известные картины Поленова, там он создавал декорации для спектаклей, писал для них музыку, вместе с Васнецовым и Репиным разработал проект и оформление знаменитой абрамцевской церкви – «сказочного» Храма Спаса Нерукотворного.

Поленов не сразу понял, а потом еще долго не мог поверить, что по нему вздыхает родственница Мамонтовых, Наташа Якунчикова. Она была на 14 лет моложе художника, вышивала по его эскизам церковные хоругви и любила Поленова горячо и молча. Когда взлелеянное детище всех обитателей Абрамцево – церковь – была достроена, первыми в ней повенчались Наталья Якунчикова и Василий Поленов.

Наталья Васильевна станет одной из самых преданных жён русских художников: творчество и картины Василия Поленова будут составлять смысл её жизни.

В семье Поленовых родится шестеро детей. Поленовы обзаведутся усадьбой Борок близ Тарусы (там написаны известные картины Поленова с видами Оки), построят школы и церковь, будут лично оплачивать труд учителей в соседних сёлах Бёхово и Стахово, создадут замечательный народный театр и «диораму» из картин художника Поленова (своего рода «кругосветное путешествие» для крестьян, не выезжавших дальше родного села) – в общем, станут всячески содействовать тому, чтобы тяжелая и временами беспросветная русская жизнь стала хотя бы отчасти такой же лучезарной, светлой и красочной, как лучшие картины Василия Поленова.

"Этот незаурядный, удивительный, настоящий русский человек, — писал о нем Федор Шаляпин, — как-то сумел распределить себя между российским озером с лилией и горячими песками азиатской пустыни.

Его Христос, его евангельские сцены, его первосвященники — как мог он совместить в своей душе это красочное величие с тишиной русского озера с карасями? Не потому ли, впрочем, и над его тихими озерами веет дух божества?"

Выдающийся русский художник Василий Дмитриевич Поленов — фигура в русском искусстве в некотором роде загадочная. Его лучшие картины почти сразу были приобретены самым прославленным коллекционером России Павлом Третьяковым. Его боготворил Шаляпин, а в рядах самых серьезнейших почитателей был другой не менее известный «творец» Иван Тургенев.

Это был один из немногих художников России, в котором воплощались самые несовместимые способности. Его удивительным даром считалось особенное видение живописи, — он умело сочетал в одном живописном произведении пленэрное видение с декоративными задачами.

Но такова была необъятная душа великого человека и художника, который на протяжении всего творческого пути будет работать сразу в нескольких направлениях, стилях, жанрах.

Василий Поленов – редчайший среди русских художников XIX века случай, когда стать художником было, что называется, «на роду написано».

Любимая бабка Поленова по материнской линии Вера Николаевна Воейкова, «бабаша», как ласково, несмотря на деспотический нрав, звали её внуки, была дочкой архитектора Николая Львова (известного нам по портретам Левицкого) и воспитанницей поэта Гаврилы Романовича Державина.

Василий Дмитриевич Поленов умер 18 июля 1927 года в возрасте 83 лет. В 1926 году одному из первых в России ему присвоили почетное звание Народного художника России.

Похоронен Василий Дмитриевич на высоком берегу Оки в деревне Бехово, на простом деревенском кладбище. На могиле, как и следовало по завещанию, поставлен деревянный крест, сделанный по эскизу самого художника.

Всего лишь на четыре года Наталья Васильевна переживет своего мужа – гениального художника – пейзажиста Василия Поленова.

Василий Дмитриевич Поленов
Московский дворик
Василий Дмитриевич Поленов
Василий Дмитриевич Поленов
Василий Дмитриевич Поленов
Василий Дмитриевич Поленов
0
Поделиться с друзьями:

Анна Мари Мозес. Бабуся Мозес и ее картины

размещено в: Из жизни художников | 0

Бабуся Мозес и ее картины

Анна Мари Мозес, более известная как Бабуся Мозес, одна из самых известных художниц Америки. Она никогда не училась в школе, родилась в бедной семье на ферме, где и начала работать с самого раннего детства.

Поздно вышла замуж, однако, родила десятерых детей, половина из которых умерли. Муж её был беден, был таким же наёмным разнорабочим, как и она.

Вся жизнь Мозес прошла в тяжёлых крестьянских трудах. Всю жизнь Анна Мари работала не покладая рук, жила в маленьком провинциальном городке.

Её организм полностью износился, и она уже не могла работать как прежде, но ее характер не позволял ей сидеть без дела. Мозес увлеклась вязанием, но в скором времени, к сожалению, это занятие ей пришлось оставить из-за начавшихся суставных болей.

Анна Мари Мозес. Бабуся Мозес и ее картины
Анна Мари Мозес. Бабуся Мозес и ее картины
Когда ей исполнилось 76 лет, ее дочь посоветовала начать рисовать. 
 
До этого Мозес никогда не брала в руки кисти, нигде не училась. Её первые картины висели в местной аптеке. 
 
Проезжавший мимо инженер, увлекающийся живописью, обратил внимание на эти милые, примитивные картинки. За бесценок купил несколько. Начал выставлять в своей галерее, показывать друзьям.
 
Так, постепенно, шаг за шагом, Бабушка Мозес стала  знаменитой художницей Америки.
 
В конце 1940-х годов выставки Мозес прошли во многих европейских странах и в Японии. 
 
В 1941 году она получила государственную премию штата Нью-Йорк, в 1949 году президент США Гарри Трумэн лично вручил ей премию Национального Американского женского пресс-клуба.
 
В 1952 году была издана её автобиография. 
 
В 1960 году, к столетию Бабушки Мозес, её фотография, сделанная известным фоторепортёром Корнеллом Капой, была помещена на обложке журнала «Лайф».
 
Бабушка Мозес любила изображать сельские пейзажи и бытовые сценки, зачастую многофигурные, напоминающие детские рисунки.
Мозес предпочитала зимние виды, летние писала реже. 
 
Один из летних пейзажей Мозес, «Старый пёстрый дом, 1862» (работа 1942 года), приобретённый у автора после создания за 110 долларов США, был продан в 2004 году на аукционе в Мемфисе за 60 000 долларов.
 
Её дни рождения отмечались на обложках журналов «Тайм» и «Лайф», а столетие и вовсе стало праздником целого штата Нью-Йорк: губернатор Нельсон Рокфеллер объявил 7 сентября 1960 года «днём Бабушки Мозес».
 
Президент Трумэн лично приглашал её в гости в Белый дом. Администрация Эйзенхауэра заказала ей картину в подарок президенту на третью годовщину инаугурации.
 
В октябре 1940 года в «Galerie St. Etienne» открылась персональная выставка Анны Мари Мозес – «Что рисует жена фермера».
 
Вокруг имени Мозес критики ломали копья, а она тихо жила в своей провинции. Здоровье не позволяло ей трудиться на ферме – разве что кормить кур. И рисование стало её работой. 
 
За четверть века (Бабушка Мозес умерла когда ей шёл 101 год) ею было создано больше 1600 картин, рисунков, иллюстраций.
 
Бабушку Мозес мало заботило мнение художественного мира. Признание со стороны прессы и политиков скорее утомляло, чем радовало, – приходилось временами покидать родные места и ехать в какой-нибудь грязный, многолюдный Нью-Йорк.
Её не беспокоило, что на её имени делаются немалые деньги: работы художницы тиражировались в миллионах открыток, марок, плакатов…
 
Бабушке Мозес доставляло удовольствие, что она приносит кому-то радость.
"Я оглядываюсь на свою жизнь, как на завершённую дневную работу», — говорила она.
— И я довольна тем, как она выполнена. Жизнь такова, какой мы её делаем. Так всегда было, и так всегда будет".
 
Анна Мари Мозес. Бабуся Мозес и ее картины
Анна Мари Мозес. Бабуся Мозес и ее картины

Миссис Мозес не всегда была бабушкой, вдовой фермера и матерью 10 детей, пятеро из которых умерли в детстве. 

Полное имя художницы — Анна Мэри Мозес, урождённая Робертсон, родилась 7 сентября 1860 года в семье фермера на окраине штата Нью-Йорк.  Это местечко ни сейчас, ни тем более, столетие назад, не было оплотом культуры и очагом цивилизации.

Тем не менее, это обстоятельство ни в детстве, ни в зрелые годы, ни в старости не угнетало Анну Мэри, так как практически всю свою сознательную жизнь она провела на фермах. Родители Анны Мэри никогда не жили в достатке, поэтому образование девочка получила самое незатейливое – читать и писать, не более. 

С 12 – ти лет работала прислугой у более зажиточных соседей.  С этих лет главный смысл жизни заключался в зарабатывании средств на кусок хле6а.

Замуж Анна Мэри вышла довольно поздно — в 27 лет! В то время девицы в таком возрасте уже считались безнадёжными старыми девами, утратившими все шансы на хоть какое-то семейное счастье. Избранником будущей известной художницы стал Томас Мозес, такой же как она, безнадёжный бедняк, наёмный рабочий.

Целых 18 лет потребовалось паре Мозес, чтобы заработать денег на покупку собственной небольшой фермы в родных местах.

Шёл 1905 год. Анне 45 лет, из них 33 года – упорного труда на чужих фермах, 10 родов, 5 похороненных детей, впереди – по-прежнему тяжёлый сельский труд от зари до зари, но уже на собственной ферме. Где уж тут картины рисовать… В 1927 году Анне исполнилось 67 лет и она уже бабушка. 

В этом году умер муж Томас, и его место управляющего фермой занял их младший сын.  Работы у Анны значительно уменьшилось, появилось много свободного времени, которое нужно было чем-то занять. 

Анна принялась вышивать. Сколько лет она вышивала – не известно. Известно, что кисть она взяла в 76 лет. Получается, что вышивала она около 9-ти лет.

Вышивала бы бабушка Мозес и дальше, но проклятый артрит лишил её этой возможности. По совету дочери, Анна взяла в руки кисть и стала рисовать…

Анна Мари Мозес. Бабуся Мозес и ее картины
Анна Мари Мозес. Бабуся Мозес и ее картины

Со слов бабушки Мозес, рисовать она любила с детства, но времени на это увлечение у неё не было. 

Свои картины миссис Мозес собиралась дарить родственникам и друзьям на праздники, чтобы не тратиться на подарки. 

Сюжеты её картин были наивны и милы. Идеальные фермы, деревенские бытовые сценки – многофигурные, похожие на детские картинки … Особенно ей удавались зимние и летние пейзажи.

Картины миссис Мозес выставляются на сельских ярмарках и местных благотворительных мероприятиях, но призов пока удостаиваются только знаменитые джемы бабушки Мозес.
 
Анна Мари Мозес. Бабуся Мозес и ее картины

Известности бы не случилось, и умерла бы Анна Мэри безвестной крестьянкой, если бы в один серый день февраля 1939 года (Анне 78 лет!) Нью-йоркский инженер Луис Калдор, работавший в тех местах и бывший известным коллекционером произведений искусства, не прошел случайно мимо одной аптеки и не глянул на окно витрины, за которым висели в рамках две картины, изображающие в манере примитива местный пейзаж.  Инженер заволновался, тут же заработал в сознании бессонный механизм коллекционной страсти.

Он открыл дверь аптеки. «Чьи это картинки выставлены в вашей витрине?» — спросил он хозяина. «Да есть тут у нас одна странная бабуля. Она рисует и дарит свои картинки всем. Вот я и решил для разнообразия повесить их в окне»…

«И где проживает бабуля?» — поинтересовался инженер Калдор. Через несколько минут он входил в дом, где жила Анна Мэри Робертсон-Мозес. 

Дом по местным обычаям был открыт, но хозяйку он не застал. Бабушка занималась цыплятами и внуками на заднем дворе…

Калдор представился и попросил ее показать все готовые работы, какие у нее есть. Бабушка, еще не представляя, зачем этому приезжему нужно так много ее картинок, достала из шкафа все четырнадцать небольших по формату работ. 
 
Поскольку бабушка Мозес сама не знала, какую цену назначить за свои работы, инженер предложил ей сам деньги. 
 
Она сначала не поняла, что он покупает — пейзажи, написанные на деревянных дощечках, или её домик. Но инженер от радости неожиданной находки был очень щедр и уплатил ей более двухсот долларов за все картины. 
 
Завернул покупку в предложенное хозяйкой холщовое полотенце, поблагодарил и был таков.  Перед уходом, он пообещал сделать бабушку Мозес знаменитой. А миссис Мозес посчитала его сумасшедшим…
 
Анна Мари Мозес. Бабуся Мозес и ее картины
Хочется отметить, что в те времена в Америке «Народное творчество» вошло в моду и набирало обороты. 
 
Луис Калдор был человеком весьма энергичным. Он смог выставить несколько работ Анны на выставке, проходящей в Нью-Йорке, под названием «Современные неизвестные американские живописцы». 
 
К сожалению, выставка была закрытой, и интереса к картинам Нью-Йоркская богема не проявила. Большинство арт-диллеров не захотели работать с начинающей 79-летней художницей.  Это они зря – дилеры стареют и умирают, а бабушка Мозес – творит и творит!
 
Судьба благосклонна к упрямым. 
 
Через год Калдор знакомится с Отто Каллиром, владельцем новой Нью-Йоркской галереи «Galerie St. Etienne».  В октябре 1940 года открылась первая выставка картин бабушки Мозес, которой на тот момент исполнилось 80! Лет!!! 
Бабушка Мозес в своей чрной шляпке и платье с кружевным воротником, лично поприветствовала публику.
 
 
Анна Мари Мозес. Бабуся Мозес и ее картины
Выставка «Что рисует жена фермера» была благосклонно принята критиками, прессой и привлекла к себе широкое внимание коллекционеров.
 
В течение 40-х годов выставки картин бабушки Мозес прошли в 30 американских штатах, в 10 странах Европы, а так же в Японии. 
В 1941 году Анна Мэри Мозес получила премию штата Нью-Йорк, а в 1949 году президент Гарри Трумен лично вручил ей премию Национального женского пресс – клуба. 
Необычайно популярны становятся открытки, постеры, посуда и ткани по мотивам картин миссис Мозес.  1960 г., бабушка Мозес отмечает 100- летний юбилей (ау, скептики арт- дилеры!), её портрет украшает обложку журнала « Life», а сама она отплясывает джигу со своим лечащим врачом!
 
Анна Мари Мозес. Бабуся Мозес и ее картины
Губернатор штата Нью-Йорк объявил 7 сентября 1960 г. – днём бабушки Мозес.

Бабушка Мозес всегда была открыта новым задачам, но решительно противостояла попыткам посторонних указывать что или как ей рисовать: «Кто-то попросил меня написать Библейские сюжеты, но я отказываюсь – я не буду изображать то, о чём мы ровным счётом ничего не знаем. Это всё равно что изобразить то, что случится через тысячу лет»… 

За два года до своей смерти она, однако, согласилась иллюстрировать детскую книгу, знаменитое стихотворение Клемента К. Мура "Ночь перед Рождеством" – сюжет которого о том, чего люди на самом деле никогда не видели – как Святой Николай Чудотворец спустился по трубе в один из домов, чтобы разложить по чулкам рождественские подарки.

Это было для Бабушки Мозес новым опытом.  К сожалению, до издания книги в 1962 году Бабушка Мозес не дожила, но книга с её иллюстрациями переиздавалась не одно десятилетие.

Бабушка Мозес покинула этот мир в декабре 1961 года в возрасте 101г, оставив после себя более 1600 картин.  «Радуга» нарисованая в июне 1961г. считается последней завершённой работой миссис Мозес.

Анна Мари Мозес. Бабуся Мозес и ее картины
Радуга. 1961 год
Постепенно к началу 21 века интерес к «наивному искусству» в Америке, да и во всём мире, потихоньку начал угасать.
Стали забывать и про саму Анну Мэри Мозес. Возможно её и впрямь бы забыли навсегда, но в начале 21 века, наследниками Отто Каллира, новыми владельцами г «Galerie St. Etienne» была организована выставка её работ. 
 
А картина «Старый пёстрый дом» нарисованная Анной Мэри и купленная у неё за $110 в 1942г., была продана на аукционе в Мемфисе за $60000.
Анна все это уже не узнает, её и при жизни мало интересовало, что на её имени кто-то делал состояния, выпуская постеры и открытки с её пейзажами миллионными тиражами.
Она просто любила рисовать и приносить кому-то радость своими рисунками.
 
Анна Мари Мозес. Бабуся Мозес и ее картины
Анна Мари Мозес. Бабуся Мозес и ее картины
Анна Мари Мозес. Бабуся Мозес и ее картины
Анна Мари Мозес. Бабуся Мозес и ее картины
Анна Мари Мозес. Бабуся Мозес и ее картины
Анна Мари Мозес. Бабуся Мозес и ее картины
Анна Мари Мозес. Бабуся Мозес и ее картины
Анна Мари Мозес. Бабуся Мозес и ее картины
Анна Мари Мозес. Бабуся Мозес и ее картины
0
Поделиться с друзьями:

Карл Павлович Брюллов

размещено в: Из жизни художников | 0
Карл Павлович Брюллов
Автопортрет (1848). Москва, Государственная Третьяковская галерея
Карл Па́влович Брюлло́в — русский художник, живописец, монументалист, акварелист, представитель классицизма и романтизма. Автор жанровых и исторических полотен. Википедия
Умер: 23 июня 1852 г., Италия

23 декабря 1799 года в Петербурге  родился знаменитый русский художник Карл Павлович Брюллов. 

Его отец ,  знаменитый скульптор Павел Брюллов, с ранних лет обучал сына живописи, причем часто был излишне строг с ним. Мальчика могли не пустить к обеденному столу, пока он не напишет нужное количество животных и человеческих фигур. За оплошности наказывали ..

Позже Брюллов вспоминал, что способность «опрятно рисовать» у него родилась благодаря детским упражнениям. В 10 лет его без экзаменов зачислили в петербургскую Академию художеств.

Отцовская подготовка помогла Брюллову — он учился лучше своих сверстников.  Преподаватели рано позволили Брюллову писать собственные полотна, в то время как его сверстники еще копировали учительские картины.

В 1819 году, Брюллов написал  свою первую живописную картину — «Нарцисс, смотрящийся в воду». Эта работа принесла ему Малую золотую медаль.

Карл Павлович Брюллов
«Нарцисс, смотрящий в воду» 1819 Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

В качестве выпускной работы Брюллов в 1821 году создал «Явление Аврааму трех ангелов у дуба Мамврийского». За нее он получил Большую золотую медаль, а меценаты Общества поощрения художников назначили ему пенсионерскую поездку в Италию.

В 1822 году Карл Брюллов вместе с братом Александром отправился в Рим. Дорога в итальянскую столицу заняла почти год. По пути они останавливались в разных городах и изучали европейскую живопись и культуру.

В Рим Брюллов прибыл в мае 1823 года. Там он сразу взялся за парадные и камерные портреты, кроме портретов пробовал писать жанровые картины.

В 1823 году он написал «Итальянское утро» и отправил его в Россию. Полотно понравилось меценатам Общества поощрения художников, и те подарили картину Александре Федоровне, супруге императора Николая I. Император пожаловал Брюллову бриллиантовый перстень и поручил написать парную картину. Так возникла вторая композиция — «Итальянский полдень».

Карл Павлович Брюллов
Итальянский полдень. 1827 Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
В Италии Брюллов познакомился с русской аристократкой Юлией Самойловой. Она была наследницей рода Скавронских, Пален, Литто и Висконти — богатейших домов Российской империи и Италии, покровительствовала русским и итальянским деятелям искусств. Оказывала поддержку и Брюллову, долгое время их связывали личные отношения.  
 
По заказу Юлии Самойловой он написал картину «Всадница», которую тепло встретили итальянские критики. Позировали Брюллову падчерицы Самойловой — Джованина и Амацилия Пачини.
 
Карл Павлович Брюллов
Всадница. Портрет Джованины и Амацилии Пачини, воспитанниц графини Ю.П. Самойловой, 1832. . Государственная Третьяковская галерея .
В 1827 году Брюллов начал работу над одним из своих масштабных произведений — «Последний день Помпеи».
Он посетил развалины города Помпеи, погибшего при извержении Везувия в 79 году до н.э, осмотрел раскопки, сделал наброски. Брюллов работал над своей монументальной картиной почти шесть лет.
 
В 1833 году «Последний день Помпеи» был выставлен в Риме, в мастерской художника. Посмотреть картину приезжали многие известные в те годы люди, среди которых был писатель Вальтер Скотт.
 
Флорентийская Академия художеств присвоила художнику за это полотно звание профессора первой степени. Картину выставляли на Парижском салоне в Лувре, после чего отправили в Петербург. Император Николай I, увидев ее, предложил Брюллову вернуться в Россию и пригласил художника на личную встречу для вручения лаврового венка.
 
Карл Павлович Брюллов
Последний день Помпеи. 1833  Государственный Русский музей, Санкт-Петербург 

На родине картина выставлялась в Императорском Эрмитаже, затем в Академии художеств. Ее смогли увидеть не только представители русской знати, но и купцы, крупные ремесленники, мастеровые.

В 1835 году художник отправился в Грецию и Малую Азию с экспедицией мецената Владимира Орлова-Давыдова. 

В дороге Брюллов простудился, был вынужден оставить экспедицию и в конце 1835 года прибыл в Москву. Здесь знатные московские дома устраивали вечера и приемы в его честь.

На одном из таких вечеров Брюллов познакомился с портретистом Василием Тропининым и поэтом Александром Пушкиным. В письме жене Пушкин писал: «Мне очень хочется привести Брюллова в Петербург. А он настоящий художник, добрый малый и готов на все».

В 1836 году Брюллову было присвоено звание младшего профессора Академии художеств. В Академии он руководил классом исторической живописи. В 1838 году Брюллов познакомился с 18-летней Эмилией Тимм, дочерью рижского бургомистра , и влюбился в неё. 27 января 1839 года они поженились, однако уже спустя месяц супруги расстались навсегда.

Эмилия уехала с родителями в Ригу, инициированный Брюлловым бракоразводный процесс продолжался до 1841 года. Причина разрыва осталась неизвестной петербургскому обществу, которое во всём обвиняло мужа. Брюллов, оклеветанный, по его словам, женой и её родными, стал изгоем.

Исследователи утверждают, что истинной причиной разрыва стала связь Эмилии с одним из своих близких родственников, которая продолжалась и после её замужества. Вероятно, о неверности невесты Брюллов узнал перед самой свадьбой, которая всё-таки состоялась под давлением родителей Эмилии. В это нелёгкое для художника время его  поддержала приехавшая из Италии в Петербург Самойлова.

В конце 1830-х — начале 1840-х годов Брюллов подготовил несколько образов для лютеранских и православных храмов, работал в жанре портрета: писал Василия Жуковского, Ивана Крылова, Алексея Толстого, создал портрет прибывшей в Петербург графини Самойловой с воспитанницей Амацилией Пачини. Эта картина стала известна под названием «Маскарад».

Карл Павлович Брюллов
 Портрет графини Ю.П. Самойловой, удаляющейся с бала с приемной дочерью Амацилией Пачини. Не позднее 1842. Государственный Русский музей

В 1843 году Брюллов начал расписывать плафон купола только что построенного Исаакиевского собора. Площадь сферического плафона составляла более 800 квадратных метров. Штукатурка была еще сырой, плохо ложился грунт, отслаивалась краска. Некоторые изображения приходилось перерисовывать. В помещении было влажно, прохладно и гуляли сквозняки. К тому же в самом храме тесали мрамор и гранит и в воздухе стояла мелкая пыль.

Брюллов серьезно заболел и был вынужден просить об освобождении от работ. По эскизам Брюллова роспись купола заканчивал художник Петр Басин.

В апреле 1849 года Карл Брюллов отправился на лечение за границу — на остров Мадейра, а затем в Италию, где и провел последние годы.

Карл Брюллов умер в Манциане, недалеко от Рима. Похоронен на римском протестантском кладбище Монте-Тестаччо.

Из сети

0
Поделиться с друзьями:

Кузьма Сергеевич Петров-Водкин

размещено в: Из жизни художников | 0
Кузьма Сергеевич Петров-Водкин
Кузьма́ Серге́евич Петро́в-Во́дкин — российский и советский живописец, график, теоретик искусства, драматург, писатель и педагог, заслуженный деятель искусств РСФСР. Википедия
Умер: 15 февраля 1939 г., Санкт-Петербург, СССР
5 ноября 1878 года родился Кузьма Сергеевич Петров-Водкин – уникальный художник, творивший на стыке двух эпох, которого современники называли "древнерусским иконописцем, волею случая попавшим в будущее".     
 
Дед Кузьмы Сергеевича был в свое время также знаменитостью, прославившимся своим неуемным пристрастием к алкоголю.  Весь город знал историю, о том как дед Петр, зарезав свою жену кроильным ножом, сам скончался в течение нескольких часов.     
 
Но город Хвалынск также хорошо знал и отца Кузьмы, который был великолепным сапожником, при том – совершенно не пьющим.  А всех потомков того самого деда Петра, любителя «беленькой», называли то "Петровыми", то "Водкиными".  
 
В итоге два прозвища соединили в одну фамилию Петров-Водкин. И Кузьме Сергеевичу, отпечаток этой не слишком почетной фамилии, пришлось нести всю жизнь.
 

Как сын сапожника художником стал

Бывает так, что счастливый случай в корне меняет жизнь человека. Судьба Кузьмы Петрова-Водкина яркое тому подтверждение.

Казалось бы, ну какой шанс у сына сапожника и необразованной крестьянки стать художником, учитывая, что родился и вырос он в Российской империи XIX века?

Какой шанс у человека, закончившего 4 класса церковно-приходской школы захолустного г. Хвалынска, учиться у самого Валентина Серова? Был ли шанс у такого дремучего колхозника шлифовать своё образование в Греции, Италии, Франции?

Навряд ли. Но помог счастливый случай.

Однажды в их захолустный городок приехал уважаемый петербургский архитектор. Он случайно увидел работы юного Кузьмы и пообещал ему утроить учёбу в Петербурге. Обещание архитектор выполнил.

Петров-Водкин был человеком своеобразным, не от мира сего. Он мог предсказывать будущее (с помощью своих картин, в том числе).

Опишу один жуткий случай с этим связанный. Однажды невеста Кузьмы настойчиво просила погадать ей по руке, зная, что он этим балуется. И предсказания, им сделанные, имеют свойство сбываться.

– Вы умрёте через полгода, – сказал он ей. Невеста в ужасе убежала. Родители запретили им общаться, но через полгода она скончалась от скарлатины. Всю жизнь потом Петров-Водкин чувствовал вину, было ли то предсказание, или он накликал?

Из Франции Кузьма приехал с женой, и не ахти какой – Мария Жозефина была потомственной аристократкой и мечтала о карьере певицы. В её жилах текла королевская кровь.

Мать Кузьмы, бывшая крепостная, мягко говоря, от такой невестки была в шоке: Мария не говорила по-русски, носила платье и шляпу.

Настоящая великосветская дама. Но Мария также была проста в манерах и происхождением не кичилась, поэтому быстро завоевала доверие свекрови.

Жена была преданна Кузьме безмерно: отказалась от родины, религии и увлечений, посвятив всю себя ему. Семейное счастье омрачало лишь одно: её бесплодие.

16 лет они страстно мечтали о ребёнке. Для Петрова-Водкина это стало навязчивой идеей. Мария даже прошла через тяжёлую операцию, вызвавшую сильные осложнения. Но хирургическое вмешательство результатов не дало.

Тогда Кузьма начал пробовать воздействовать на жену с помощью своих картин, рисуя её в разных вариантах материнства. Петров-Водкин создал целую религию материнства, свято веря в силу своего искусства. Но всё тщетно.

Минорный тон совместного существования поставил их брак под угрозу. И вновь счастливый случай – ему предложили командировку в Среднюю Азию. Длительная разлука освежила чувства. И когда Кузьма вернулся из Азии, их отношения с женой возобновились.

Весной 1922 года случилось невероятное: Мария забеременела.

Врачи сразу предупредили: роды будут сложные, возможно нужно будет выбирать между матерью и ребёнком. Мария настаивала на сохранении жизни ребёнку, даже заставила врача всё это оформить юридически.

Их дочь родилась с трудом, Мария еле выжила. Три месяца после родов лежала в больнице. Больше ничего не омрачало их счастья, и они прожили вместе до конца его жизни.

Умер Петров-Водкин в возрасте 60 лет от туберкулеза. Жена пережила его больше, чем на 10 лет.

Елена Кузьминична Дунаева, дочь художника, умерла 3 ноября 2008 года в возрасте 86 лет, двух дней не дожив до 130-летия отца. Она посвятила всю свою жизнь сохранению его наследия.

Кузьма Сергеевич Петров-Водкин

Самое знаменитое полотно Петрова-Водкина – "Купание красного коня" – создавалось очень трудно.

Задумал его автор как бытовую картину и этот момент вспоминал так:
«В деревне была гнедая лошаденка, старая, разбитая на все ноги, но с хорошей мордой. Я начал писать вообще купание».
Сделав наброски, Петров-Водкин безжалостно искромсал полотно ножом.

И только когда увидел новгородские иконы, понял, каким должно быть лицо главного персонажа. И конь – огромный, выскакивающий за пределы рамки, огненно-красный – как на иконе с Георгием Победоносцем.

На выставке объединения «Мир искусства» в 1912 году «Купание…» стало главной сенсацией.
Илья Репин, называвший прежние картины Петрова-Водкина «возмутительным безобразием неуча», долго стоял перед полотном и наконец вымолвил: «Талантище!».

Выразить почтение автору вознамерился и модный в то время поэт и критик Рюрик Ивнев.
Увидев художника, эстет в бархатной курточке жеманно произнес: «Сколь прекрасны ваш алый конь и юноша-мессия!» – «Конь хорош. А вот мессия-то с голым задом!» – съехидничал Петров-Водкин.

Весной 1914-го картину показали на выставке в шведском городе Мальмё. Но Первая мировая война, революция и Гражданская война помешали ей вернуться на Родину.

Лишь в 1950 году «красный конь» оказался в России. Вдова мастера передала картину в частную коллекцию.
В 1961-м полотно было преподнесено в дар Третьяковской галерее.

Многие искали скрытые в изображении смыслы.
Когда в 1917-м грянула революция, живописец воскликнул: «Так вот почему я написал «Купание красного коня!»

Кузьма Сергеевич Петров-Водкин
Кузьма Сергеевич Петров-Водкин
 Портрет М. Ф. Петровой-Водкиной, жены художника.
Кузьма Сергеевич Петров-Водкин
 Архангел Михаил. Эскиз
Кузьма Сергеевич Петров-Водкин
   Женский портрет (Портрет неизвестной).
Кузьма Сергеевич Петров-Водкин
    Мать.
Кузьма Сергеевич Петров-Водкин
 На берегу.
Кузьма Сергеевич Петров-Водкин
0
Поделиться с друзьями:

Оскар Клод Моне

размещено в: Из жизни художников | 0
Оскар Клод Моне – родился 14 ноября 1840 г., Париж.

"Я пытался сделать невозможное — нарисовать сам свет. " Клод Моне.

Французский живописец, один из основателей импрессионизма.

Клод Моне автопортрет художника

Оскар Клод Моне

Картины Клода Моне были настолько необычными в глазах его современников, что зачастую их не брали даже на выставки, а уж покупались вообще с большой неохотой, да и к тому же за бесценок. Темы его полотен – разрозненные фрагменты жизни, в которых реальные формы как будто растворялись в мазках и пятнах. Сейчас полотна Клода Моне продаются за баснословные деньги, а при жизни он был вынужден копить, чтобы купить жилье и содержать семью.

Родился Оскар Клод Моне 14 ноября 1840 года в Париже. Он был вторым сыном бакалейщика Клода Огюста Моне и его супруги Луизы Жюстины. Клод был пятилетним мальчишкой, когда родители сменили место жительства. Семья поселилась в Нормандии, в небольшом городке Гавр. Школу Клод не любил, он вообще мало признавал дисциплину. Больше всего на свете ему нравилось рисовать, хотя отец надеялся, что он продолжит семейное дело и тоже будет бакалейщиком. Рисовать Моне начал рано, в основном это были карикатуры на друзей и учителей. Он даже пробовал продавать свои шедевры, и дело пошло. В витрине салона, где торговали художественными принадлежностями, красовались его рисунки, их мог купить любой желающий за 20 франков. Родители почти не давали ему денег на карманные расходы, и только благодаря своим карикатурам, мальчик сумел скопить 2000 франков.

В этом же салоне состоялось знакомство Моне и художника Эжена Будена, который похвалил парня, отметил, что у него, несомненно, есть талант. Именно он настоял на том, чтобы Клод продолжал рисовать, только переходил к чему-то более серьезному, например, к пейзажам.

Оскар Клод Моне
Клод Моне "Подсолнухи"
Оскар Клод Моне
Клод Моне "Хризантема"

Отец Клода не собирался принимать выбор сына, но на помощь пришла родная тетя, которая заботилась о парне после смерти мамы. Моне начал заниматься с Буденом, и вскоре нашел свое настоящее призвание – пейзажи.  В 1859-м Моне уехал в Париж, начал работать в студии вместе с другими бедными художниками. Чтобы больше узнать о живописи, молодой человек бывает на выставках и в галереях.

Но тут в его творческую биографию вмешалась армия. В 1861-м он оказался в кавалерийских войсках и был командирован в Алжир. Моне должен был служить семь лет, но спустя два года заболел тифом.

После выздоровления ему нужно было опять вернуться в строй, но тут снова в его судьбу вмешалась тетя, заплатила кому нужно три тысячи франков, чтобы ее племянника полностью освободили от службы. Набравшийся сил после болезни, Клод становится студентом университета. Он выбрал факультет искусств, но очень быстро разочаровался в учебе. Моне был противником такого подхода к живописи, который царил в вузе.

Оскар Клод Моне
Клод Моне. Поле тюльпанов в Голландии
Оскар Клод Моне
Клод Моне "Парижанка"

Моне по-прежнему хотел учиться, поэтому вскоре пришел в студию Шарля Глейра. Именно там он впервые встретил Альфреда Сислея, Огюста Ренуара, Фредерика Базиля. Потом среди его знакомых появляются Сезанн и Писарро. Они были практически одногодками, с аналогичными взглядами на мир искусства и живописи. Из них и получился тот костяк, вокруг которого объединились импрессионисты.

Первая известность пришла к художнику в 1866-м, после того, как в салоне появился портрет Камиллы Донсье. В 1865-1866 годах Моне трудится над полотном «Завтрак на траве». Точно такое же название дал своей картине Эдуард Мане, только его полотно было раза в 4 меньше, чем у Клода. Композиция этого полотна очень незамысловата – полянка рядом с лесом, на которой расположились нарядные мужчины и женщины.

При взгляде на работу Клода, создавалось впечатление, будто с нее веет свежим ветерком, воздух движется, шевеля листочки на деревьях. Это впечатление создавали фактурные мазки. В выставке картина Моне не участвовала, он просто не успел ее дописать.

В то время художник испытывал финансовые трудности, поэтому просто продал картину, рассчитался с долгами и хотя бы на время забыл, что такое чувство голода.  Вместо этого полотна на выставку отправилась «Дама в зеленом».

Оскар Клод Моне
Клод Моне "Завтрак на траве"
Оскар Клод Моне
Клод Моне «Дама в зеленом». Камилле Донсье жена художника

Чтобы создать свой следующий двухметровый шедевр, Моне постоянно находился на пленэре. Чтобы добиться нужного освещения, ему пришлось рыть целую траншею, в котором холст можно было то поднимать вверх, то опускать вниз. Клод часами ждал нужное освещение, и, дождавшись, хватался за кисть. Эта работа на выставку тоже не попала, жюри ее просто отклонило.

Именно в то время и началось зарождение импрессионизма, направления, которое полностью изменило представление о живописи. Представители этого направления старались прочувствовать сиюминутность момента и запечатлеть его на холсте. Моне стал одним из основоположников импрессионизма и самым ярким его представителем. Так как он привык работать на пленэре, он умел видеть это сиюминутное состояние природы и окружающих его вещей и очень тонко передать его в своих картинах.

Оскар Клод Моне
Клод Моне "Поле Маков"
Оскар Клод Моне
Клод Моне "Женщина в саду"

Именно в то время и началось зарождение импрессионизма, направления, которое полностью изменило представление о живописи. Представители этого направления старались прочувствовать сиюминутность момента и запечатлеть его на холсте. Моне стал одним из основоположников импрессионизма и самым ярким его представителем. Так как он привык работать на пленэре, он умел видеть это сиюминутное состояние природы и окружающих его вещей и очень тонко передать его в своих картинах.

В 1869 году Моне и Ренуар уехали в Бужевиль, где собирались поработать на пленэре. Клод пишет свои картины в совершенно новой манере, он перестает смешивать оттенки и наносит на холст крупные мазки разных цветов. Его картины характеризует использование чистого света, мастер открывает новую технику и особенности передачи света и тени. Так зародился и начал развиваться импрессионизм, абсолютно новое направление в живописи.

Оскар Клод Моне
Клод Моне "Городок Ветей"
Оскар Клод Моне
Клод Моне "Лилии"

Когда грянула франко-прусская война, Моне уехал в Англию. Он не хотел снова попасть под призыв, к тому же не считал себя поклонником наполеоновской политики. Скорее наоборот, он ее абсолютно не принимал. В Англии Клод встретил продавца картин Поля Дюрана-Рюэля, с которым подружился, и который стал основным покупателем его картин, созданных в те годы.

Поднакопив немного денег, художник смог обзавестись собственным домиком в Аржантее, где жил спокойно и даже счастливо вплоть до 1878-го.

Оскар Клод Моне
Клод Моне "Домик в Аржантее"
Оскар Клод Моне
Моне "Уголок сада в Монжероне"

Те годы стали очень продуктивными, Моне много пишет, его картины становятся все более одухотворенными. Именно в тот период появилось известное полотно художника – «Впечатление. Восход солнца». Картина участвовала в выставке 1974 года в Париже.

Достаточно часто Клод создает серийные композиции, на которых изображены Лондон, Стог, Руанский собор.

В технике импрессионизма он представляет разную освещенность, погоду, даже время суток. Каждое состояние имеет свою тональность, передает даже настроение художника. Чтобы описать его картины, слов мало, их нужно просто хоть раз увидеть и прочувствовать.

Оскар Клод Моне
Клод Моне «Впечатление. Восход солнца»

Благодаря продаже картин, Моне удалось накопить немного денег. Теперь его финансовыми делами занимается бизнесмен Эрнест Гошеде. Но вскоре он обанкротился, и две семьи вынуждены объединиться, чтобы как-то выйти из затруднительного положения. Они поселяются в деревне Ветей, и вскоре художник хоронит жену, а потом и старшего сына. В 1883-м Клод снова сменил место жительства, теперь он с семьей живет в деревне Живерни, которая раскинулась прямо на берегу Сены. Его полотна начали хорошо продаваться, что помогло подкопить приличное состояние. Большую часть денег художник вкладывает в свой сад.

Он расширял свой сад целых 43 года.  Ему доставляло удовольствие не только возиться с растениями и потом пожинать плоды своего труда.  Сад стал тем местом, где он черпал творческое вдохновение, особенно в предсмертный период своей биографии. Он выходил с мольбертом в сад и рисовал, рисовал, рисовал.

Художник называл себя рабом своего дела, он хотел постичь совершенство и научиться передавать на полотно окружающее его великолепие.

Оскар Клод Моне
Фото Клод Моне в саду 1905г.
Оскар Клод Моне
Клод Моне "Тропинка в саду"

В то время Моне начинает работать в новой технике, которая заключается в одновременном написании нескольких полотен. Художник стремится передать всю переменчивость освещения. Он мог трудиться над одним холстом полчаса, потом приняться за другой, чтобы успеть ухватить сиюминутность момента. Примером служит серия полотен, где изображен мыс Антиб. Клод смог передать утреннее, полуденное, летнее, весеннее и осеннее освещение.

Первый раз художник женился на Камилле Донсье, которая позировала ему для картины «Дама в зеленом», и еще многих других полотен. В этом браке родились два сына Моне, причем с интервалом в одиннадцать лет. После того, как его любимая супруга умерла, в личной жизни Клода появляется Алиса Гошеде. Однако эти отношения сразу носили неофициальный характер. Влюбленные узаконили их только тогда, когда умер муж Алисы – Эрнест. Алиса умерла в 1911-м, а в 1914 году художника постигла еще одна утрата, умер его первенец Жан.

Оскар Клод Моне
Клод Моне и Мадам Моне в саду

Клода Моне считают одним из трех живописцев, картины которых продаются по баснословным ценам. В среднем одна картина художника «тянет» почти на восемь миллионов долларов.

Самым дорогим произведением Моне считаются «Водяные лилии», картина, которую он создал в 1905 году. Ее стоимость – 43 миллиона долларов. Полотна великого мастера есть почти во всех мировых музеях. Наследие художника принадлежит Великобритании, России, США.

Оскар Клод Моне
Клод Моне «Водяные лилии» 1905г.

Клод Моне скончался от рака лёгких 5 декабря 1926 года в Живерни в возрасте 86 лет и был похоронен на местном церковном кладбище. Последнюю картину он написал в 84 года.
Художник перед смертью настоял, чтобы прощание с ним было простым, таким образом, всего 50 человек посетили церемонию.
В 1920-е годы в музее Оранжери за государственный счёт были построены два овальных зала для постоянного хранения восьми больших панно Моне со специально написанными для этих залов «Кувшинками».
Выставка открылась для публики 16 мая 1927 года, через несколько месяцев после смерти Моне. Картины цикла хранятся во многих музеях мира, включая Мармоттан-Моне, и Орсе в Париже, ГМИИ им. Пушкина в Москве, Метрополитен-музей в Нью-Йорке, Чикагский институт искусств, Сент-Луисский художественный музей, Национальный музей Уэльса, Музей изящных искусств в Нанте, художественный музей Кливленда, Портлендский художественный музей в Орегоне.
Сад Моне в Живерни существует и в настоящее время, оставаясь неизменным местом паломничества туристов и поклонников его творчества.

Оскар Клод Моне
0
Поделиться с друзьями: