ФЕДЕРИКО ФЕЛЛИНИ

📅20 января 1920 года родился культовый итальянский кинорежиссер ФЕДЕРИКО ФЕЛЛИНИ, обладатель пяти премий «Оскар» и «Золотой пальмовой ветви» Каннского кинофестиваля.

Его отец был мелким коммерсантом. В детстве Федерико любил рисовать, устраивать кукольные представления. В 1937 году он уехал в Рим, а затем – во Флоренцию, перепробовал множество профессий: журналиста и карикатуриста, страхового агента, оформителя витрин и другие занятия. В 1940 году Феллини пришел в киноиндустрию. Сначала он сочинял комические трюки, затем участвовал в создании сценариев и, наконец, стал ассистентом режиссера. Первый его фильм в этом качестве – «Рим – открытый город», снятый в 1945 году, за ним последовали еще несколько лент, и с 1950-х годов Феллини стал самостоятельным режиссером.

В его первых фильмах – «Белый шейх» (1952) и «Маменькины сынки» (1953) – проявляются основные черты, отличающие Феллини от многих его коллег: внимание к личностям и повышенный интерес к деталям. Фильм «Дорога» (1954) сделал Феллини и его жену Джульетту Мазину, исполнительницу главной роли, всемирно известными. Он получил «Оскар» как лучший фильм на иностранном языке. Всего Феллини получил 4 таких «Оскара» и еще один «Оскар» – за творчество в целом. Фильму «Сладкая жизнь» (1960) мы обязаны тем, что два чисто итальянских понятия стали широко использоваться во всем мире – это «папарацци» и «дольче вита» (так на итальянском звучит название фильма).

«8 1/2» – этот фильм произвел революцию в кинематографе, в нем применялась техника, называемая «поток сознания», помогающая показать внутренний мир героя, никак технически его не выделяя. С 1965 года Феллини снимает цветные фильмы, при этом его мир – яркий, разноцветный, немного фантастический. Феллини также обращается к воспоминаниям детства, юности и осмыслению исторических процессов, свидетелем которых он был – это фильмы «Клоуны», «Рим» и «Амаркорд».

В 1979 году он снимает метафорический фильм «Репетиция оркестра». В 1980-х — начале 1990-х годов Феллини развивает уже существующие мотивы своего творчества – «Город женщин», «Джинджер и Фред», «Голос луны».

Федерико Феллини умер 31 октября 1993 года в Риме от инсульта, был похоронен в родном городе Римини.

*****

Каждый живет в собственном вымышленном мире, но большинство людей этого не понимают. Никто не знает подлинного мира. Каждый называет Истиной свои личные фантазии. Я отличаюсь тем, что знаю: я живу в мире грез. Мне это нравится, и я не терплю, когда мне в этом мешают. Фантазии — единственная реальность.
___
Федерико Феллини

«Как хочется влюбиться еще раз!» – сказал за два дня до смерти Федерико Феллини своему другу – сценаристу Тонино Гуэрра. Не в смысле найти новую женщину, которая заменила бы ему его Джульетту, а вновь воспарить в небо и слышать музыку своей звенящей души.

Есть любовь, которую итальянцы называют «амаре», а есть любовь – «волье бене» – чувство, когда к человеку относишься как к самому близкому существу на свете.

Нет ничего выше «волье бене», и те, кому посчастливилось ее испытать, до конца дней благодарят небо за этот великолепный дар. Такое чувство выпало на долю двух великих лицедеев двадцатого века – режиссера Федерико Феллини и его жены – актрисы Джульетты Мазины.

Они прожили вместе пятьдесят лет и умерли практически одновременно. Федерико – в день пятидесятилетия их брака, придя из ресторана, где они когда-то впервые встретились и где отмечали день своей золотой свадьбы, а Джульетта ушла за ним несколько месяцев спустя.

Она так и не сказала ему, что тяжело больна (у нее был рак), так как знала, что он бросит все и будет занят только ею. Так уже случилось незадолго до их юбилея, когда она попала в больницу, а Феллини, сам практически прикованный к постели, бросился к ней за пятьсот километров (от Римини до Рима) и лег в ту же больницу, в соседнюю палату, только чтобы быть рядом со своей женой.

Как случаются такие встречи? На каких небесных часах записаны даты и сроки, почему суждено было встретиться двум великим людям, чтобы вместе создать нечто уникальное в кинематографе, золотыми буквами записанное на скрижалях истории.

Он был журналистом, карикатуристом и автором юмористических рассказов. Она – начинающей актрисой, римская тетушка которой мечтала сделать из своей племянницы звезду сцены.

Впрочем, до звезды этой малышке было очень далеко, скорее она была похожа на маленького глазастого клоуна.

«Маленькая женщина с глазами потерявшегося щенка», – говорил о ней сам Феллини. Эта хрупкая девушка стала его ангелом, музой, его подругой, женой, любовью и всем, без чего невозможно человеческое существование.

Федери́ко Фелли́ни (итал. Federico Fellini; 20 января 1920, Римини — 31 октября 1993, Рим) — великий итальянский кинорежиссёр и сценарист. Обладатель пяти премий «Оскар» и «Золотой пальмовой ветви» Каннского кинофестиваля.

Рейтинг

5 из 5 звезд. 1 голосов.

Правила жизни Андрея Тарковского

Режиссер, умер 29 декабря 1986 года в возрасте 54 лет в Париже, Франция

У меня в детстве был довольно растительный образ жизни. Я мало размышлял.

Мы ходили буквально босиком. Летом вообще не носили обуви, у нас её не было. Зимой я носил валенки моей матери. В общем, бедность — это не то слово. Нищета!

Мы придаём несколько чрезмерное значение роли детства. Манера психоаналитиков смотреть на жизнь сквозь детство, находить в нём объяснения всему — это один из способов инфантилизации личности. Мне всегда не хватало отца. Всем лучшим, что я имею в жизни, я обязан матери.

Мой отец, конечно, большой русский поэт. Он никогда не писал ничего, чтобы прославиться.

Каждый человек должен учиться с детства находиться одному. Это не значит, быть одиноким. Это значит — не скучать с самим собой.

Как я боюсь похорон! Даже когда мы хоронили бабушку, жутко было, и не потому, что она умерла, а оттого, что крутом были люди, которые выражали чувства. Я не могу смотреть на людей, которые выражают чувства.

Я поступил в Институт востоковедения, полтора года там проучился и ушел — в ужасе. Занятие арабским языком было настолько мучительным, лишенным какого бы то ни было чувства для меня. Странный язык. Грамматические формы образуются математическим путем. Почему я поступил именно во ВГИК, я не могу понять.

Комиссия не хотела принимать меня и Шукшина. Говорили: «Вася Шукшин — это темный человек, который не читал Толстого и вообще ничего не знает, он слишком неотесан. А Тарковского мы не примем потому, что он всё знает». Впервые я пошел в кино, когда мне было семь лет. Я только помню два кадра. Первый — это взрывы в подсолнухах, когда вместо грохота взрыва гранат— аккорд музыкальный. И второй кадр — это когда штыки — ужасный кадр — подымают в воздух офицера. В наше же время выбирать было невозможно, и сам факт, сама возможность посмотреть фильм производила на нас ошеломляющее впечатление.

Я не столько думаю о действительности, сколько пытаюсь ее ощущать; я к ней отношусь, как животное, как ребенок.

Сама идея искания для художника оскорбительна. Она похожа на сбор грибов в лесу. Их, может быть, находят, а может быть, нет. На мой взгляд, художник поступает вовсе не как искатель, он свидетельствует об истине, о своей правде мира. Я отвергаю идею эксперимента, поисков в сфере искусства. Любой поиск в этой области, всё, что помпезно именуют «авангардом», — просто ложь.

Если убрать из человеческих занятий все относящиеся к извлечению прибыли, останется лишь искусство.

Искусство не может быть ненациональным. Если мир в порядке, в гармонии, он не нуждается в искусстве. Можно сказать, что искусство существует лишь потому, что мир плохо устроен. Ханжество никогда не было эффективной силой творчества.

Цель искусства заключается в том, чтобы подготовить человека к смерти.

Если актер лишен темперамента — это его смерть. Единственное, что мне нужно от актера, — чтобы он оставался собой в предлагаемых ему обстоятельствах и, боже упаси, не начал бы что-то играть, придумывая образ.

Кино, пожалуй, самое несчастное из искусств. Им пользуются как жевательной резинкой, как сигаретами, как вещами, которые покупают.

Меня всегда раздражали в искусстве намеки, какие-то попытки быть на гребне того, что происходит сию минуту.

Я считаю неудачным фильм «Иваново детство» потому, что терпеть не могу в кинематографе символа. Картина претенциозна — в том смысле, как если бы пианист играл, нажав правую педаль и не отпуская ноги: всё педалировано, всё акцентировано чересчур, чересчур выразительно. Так сказать, сразу все тридцать два зуба актер показывает — я имею в виду автора, самого себя.

Некоторые вещи я просто не могу смотреть, я опускаю глаза — знаете, как при взгляде на человека, который бестактно себя ведет, говорит о себе чересчур влюбленно. Но эта картина, мне дорога как первая моя самостоятельная работа.

«Космическая одиссея» Стэнли Кубрика мне кажется совершенно неестественной: выморочная, стерильная атмосфера, будто в музее, где демонстрируются технические достижения. Критики или ругают, или хвалят. Ни то, ни другое, не очень-то помогает. А ведь задача критики, на мой взгляд, — помочь автору понять самого себя.

Я люблю ограниченное пространство. Мне очень нравится отношение к пространству японцев — их умение в маленьком пространстве находить отражение бесконечности.

Жизнь никакого смысла, конечно, не имеет.

Мне трудно представить себе внутренний мир женщины, но мне кажется, что он должен быть связан с миром мужчины. Одинокая женщина — это ненормально.

Если мир не становится общим, отношения безнадежны. Мне кажется, что я недостаточно люблю себя. Тот, кто недостаточно любит себя, не знает цели своего существования, не может, по‑моему, любить других.

Я человек невеселый. Сейчас не время много смеяться. Если я вдруг начинаю смеяться, я тотчас же начинаю себя контролировать и ощущаю, что смеюсь не к месту.

Спасти всех можно, спасая себя. Общие усилия бесплодны.

Настоящее скользит и уходит, словно песок между пальцами, и определяет свою материальную весомость лишь в воспоминании о нем.

Жизнь теряет всякий смысл, если я знаю, как она кончается. Мы не созданы для счастья, но есть вещи важнее, чем счастье.

Большое несчастье человека в том, что он вообразил себя замкнутой системой. Например, он думает, что не наносит себе вред, когда скрытно творит зло, и не считает, что тем самым подвергается саморазрушению.

В России никто, никогда и ни в чем не виноват. Только так здесь все и происходит.

Когда мир расколот войной, вдруг появляется надежда на счастье, на изменение времени.

Я отношусь к словам как к шуму, который производит человек.

Я очень жалею, что я не стал музыкантом. Планов много, толку мало.

Из сети

Рейтинг

5 из 5 звезд. 1 голосов.

О его честности ходили легенды. Друзья считали, что хранить деньги у Валерия Приемыхова надежнее, чем в швейцарском банке

Актер, режиссер, сценарист — его знали и любили все, кто знал и любил российское кино.

В конце 70-х — начале 80-х результатом творческого союза молодого сценариста и актера Валерия Приемыхова и режиссера Динары Асановой стали фильмы «Никудышная», «Жена ушла», «Милый, дорогой, любимый, единственный».

Фильм «Пацаны» принёс Валерию Приемыхову всенародную известность и популярность. В этой психологической мелодраме Приемыхов не играл, он просто жил в этой роли, — в каждом его слове, каждом жесте чувствовалась неподдельная заинтересованность в своих воспитанниках, в этих мальчишках. Их с Динарой фильмы о заботах и бедах молодых и ныне смотрят, волнуясь и сопереживая.

Он неоднократно становился лауреатом Государственной премии, Лучшим актёром года.

Одной из своих самых лучших ролей Валерий Приемыхов считал политзаключенного из фильма «Холодное лето 53-го… » Хотя поначалу сниматься в нем не хотел. Отказывался, как мог.
«Помню, как хитрил, чтобы не играть Лузгу. Это была первая роль политзаключенного в советском кино. И просто не знал, как ее сыграть. Но понимал, что если бы роль мне не удалась, то меня просто «закопали». Однако после картины я получил от зрителей столько любви и благодарности, что сам волей-неволей влюбился в эту роль». (Из последнего интервью Валерия Приемыхова. )

Ему тогда, на съемках «Холодного лета… », очень помогал Анатолий Папанов. Правда, чувствовал себя Папанов уже тогда неважно. Побаливало сердце. Никто и подумать не мог, что для великого актера эта роль станет последней. Валерий вспоминал, что сразу после трагических событий он приехал на «Мосфильм» и посмотрел только что отснятый материал. Смотрел и плакал.

Последнее, и, наверное, самое любимое детище Валерия Приемыхова, в полном смысле стала его работа в кино — картина «Кто, если не мы» Актер и тут сыграл свой незабываемый приемыховский образ положительного героя — немногословного человека, мужественного, чуть-чуть застенчивого и обязательно задумчивого.

На экране Приемыхов был непременно немногословным, сдержанным, друзья же, приятели, знакомые, подруги и жены знали другого Приемыхова – «душу компании», балагура и весельчака.

Друзей у Валерия Приемыхова было не так уж много. Самых близких — пару человек, в основном люди, не имеющие отношения к искусству. Например, Валерий частенько любил бывать в гостях у народного художника Сергея Алимова и его жены Наташи. Компанию ему составляли скульптор Вадим Кулаков и хирург Евгений Матякин. Собирались обычно в галерее у Алимовых в Центральном доме художника. Иногда могли поехать на рыбалку. Но Приемыхов все это называл мгновениями счастья и утверждал, что постоянно счастливым может быть только дурак.

«Вообще, я столько сил истратил на женщин! Если бы не это, мог сейчас быть, наверное, чуть ли не Львом Толстым. Иногда мне даже жаль времени, потраченного на ревность и страдания. Сейчас, когда начинаешь все вспоминать, становится даже смешно. А тогда — переживал, страдал. Вообще, ревность — чувство изматывающее и бессмысленное. Она не созидает. Только разрушает… » (Из последнего интервью Валерия Приемыхова. )

Приемыхов всегда нравился женщинам. Он подкупал всех своей неприкрытой мужской силой, простотой, добротой и в то же время загадочностью. Его светлые серые глаза смотрели так, как будто пронизывали тебя насквозь. А какая мужская харизма! Мы с девчонками были влюблены в него по уши!

«В жизни я сам по себе. А это очень трудно. Я не принадлежу ни к какой партии или течению. Сам по себе, как конь в шахматах. Да и вообще-то в творчестве надо больше думать о том, чтобы идти не в ногу»….

«Я стал очень жестким человеком, особенно в работе. С детства ко всем с добром относился, но жизнь меня обломала. Это произошло в последнее время. А вообще я все чаще задумываюсь над человеческими качествами. Не переношу самовлюбленных людей. Когда я знаю человека и он вдруг начинает из себя изображать, то сразу перестает быть для меня интересным. Хочу, чтобы окружающие относились ко мне так же, как и я к ним отношусь. Очень хотелось бы… » (Из последнего интервью Валерия Приемыхова

«Сейчас я люблю одну идею, вычитанную у Михаила Булгакова: Мастер недостоин света, Мастер достоин покоя. Для меня недостижимой мечтой стало прийти к гармонии с собой, с миром и окружающими… » Иногда мечты сбываются…

Любимца миллионов не стало, когда ему было всего 56.

Рейтинг

5 из 5 звезд. 1 голосов.

28 декабря — день памяти великого режиссера-сказочника Александра Артуровича Роу. Его фильмы были для нескольких поколений детей такой же важной частью каникул, как ёлка, Дед Мороз и подарки.                                                 

Александр Роу был сыном гречанки и ирландца Артура Говарда Роу, который в 1905 году приехал по контракту в Россию налаживать мукомольное производство.

Когда мальчику было 9 лет, началась война и его отец покинул Россию, оставив семью. Мама болела, поэтому Александр с 10 лет работал, но всё-таки ухитрился доучиться, окончить киношколу имени Б. Чайковского и драматический техникум им. М. Н. Ермоловой.

С 1937 года Роу — режиссёр киностудии «Союздетфильм», (затем — киностудии имени М. Горького). В 1938 году Александр Роу начал съемки сказки «По щучьему велению» — первой игровой сказки, где чудеса творили не нарисованные герои, а живые актёры. Всего Роу снял 14 волшебных фильмов-сказок. Давайте вспомним лучшие из них — может быть вам захочется пересмотреть их с детьми или внуками.

1. «По щучьему веленью», 1938 год
При создании своей первой картины Александр Роу не обошелся без волшебства. Именно он решил произвести своего рода революцию в кино и снять сказку с настоящими артистами, а не с анимационными или кукольными персонажами, как это делалось раньше. В этой сказке в роли царя Гороха дебютировал Георгий Милляр — «заслуженная Баба-Яга Советского Союза».

2. «Василиса Прекрасная», 1939 год
Вторая и очень успешная сказка Роу. Валентина Сорогожская в ней сыграла Василису, крестьянскую дочь. Сергей Столяров — Ивана, младшего сына. А Георгий Милляр — гусляра, отца, и первую свою Бабу-Ягу.

3. «Кащей Бессмертный», 1945 год
Премьера «Кащея Бессметного» состоялась 9 мая 1945 года, в барнаульском кинотеатре «Родина». Когда фильм вышел в широкий прокат, он, конечно был воспринят как метафора завершившейся войны. Фильм снимался в сложных условиях военного времени, съемки проходили в Алтайском крае и Таджикистане. В нём есть кадры, где горит пшеничное поле. Организовать поджог его — в войну дело, в общем-то, немыслимое. Чтобы получить разрешение сжечь делянку с пшеницей, Александр Роу специально писал в Совнарком. Кащея Бессмертного сыграл Георгий Милляр. Актер, только оправившийся от болезни, был тогда настолько худым и бледным, что, по воспоминаниям самого Милляра, на съемочной площадке Кащея испугалась даже его лошадь.

4. «Новые похождения Кота в сапогах», 1958 год
После «Кащея Бессмертного» Роу долго не снимал сказки — от него требовали более серьёзных работ: документальных фильмов и экранизаций классики, а не детских сказок. Но в 1958 году появилась необычная версия сказок Шарля Перро «Кот в сапогах » и Карло Гоцци «Любовь к трём апельсинам».

5. «Марья-искусница», 1960 год
В послевоенное время Роу запретили снимать сказку «Царь Водокрут» по сценарию Евгения Шварца. Однако Роу не отчаивался и в 1960 году все-таки снял фильм «Марья-искусница», тоже по сценарию Шварца. В нем и нашлось место злобному царю Водокруту Тринадцатому, который похитил Марью-искусницу. В этой сказке Георгий Милляр играет Квака.

6. «Королевство кривых зеркал», 1963 год
Эту сказку, Роу снял по одноимённой повести Виталия Губарева. Милая, хотя и местами слишком назидательная, советская версия зазеркалья, не имеющая, конечно, никакого отношения к сказкам Кэррола.

7. «Морозко», 1964 год
Поистине легендарный фильм — пожалуй, самая знаменитая работа Александра Роу, и не только в СССР и России. Многие зарубежные кинорежиссеры, включая знаменитого Стивена Спилберга, признавались, что «Морозко» оказал огромное влияние на мировой кинематограф.
Фильм открыл для советского кинематографа актрис Инну Чурикову и Наталью Седых. Последнюю Роу увидел в балетной школе. После нескольких ролей в кино Седых снова вернулась в балет, а Чурикова стала одной из ведущих актрис советского, а затем и российского кино.

8. «Огонь, вода и… медные трубы», 1968 год
После «Морозко» Александр Роу продолжил сотрудничество со знаменитыми драматургами Николаем Эрдманом и Михаилом Вольпиным. Результатом работы этого уникального трио стала киносказка «Огонь, вода и… медные трубы», которая вышла на экраны в конце декабря 1968 года. Фильм, правда, не понравился чиновникам — сатира Роу показалась им слишком острой. Критики укоряли режиссера в излишнем гротеске и множестве современных сцен, не свойственных старым народным сказкам. Но именно поэтому фильм выглядит таким современным и до сих пор смотрится «на ура».

9. «Варвара-краса, длинная коса», 1969 год
Предпоследний фильм легендарного Александра Роу, самый популярный, после фильма «Морозко» и самая любимая сказка многих школьников 70-х — 80-х, включая автора этих строк. Волшебная история с недетским юмором и высоким воспитательным КПД, как, впрочем, и все сказки Роу.

Из сети

Рейтинг

5 из 5 звезд. 1 голосов.